TRANSCRIPCION

Programa 8. Elementos básicos de dirección coral para promover y desarrollar el canto. Una de las prácticas más comunes del ser humano es el canto colectivo, ya que contribuye a constituirnos como un grupo social, en muchas ocasiones como una tarea lúdica, pero que también puede servir para muchas otras cosas. En algunos grupos humanos el canto coral era y es utilizado para preservar la historia de una comunidad. Algunas labores de trabajo colectivo, como la recolección de las cosechas, se hacían cantando, lo que las hacía menos pesadas e incluso ayudaba a trabajar con un ritmo determinado. En el ámbito religioso se llegó a considerar que el canto colectivo era el camino más viable para llegar a la divinidad Y es que la experiencia de cantar en grupo es una de las más bellas que podemos tener Cuando un conjunto de voces hacen música hay además de todo un goce estético incomparable Más allá de cualquier otra experiencia El canto coral puede ser de muchas maneras. En nuestro libro "A que la canción" hemos elegido el canto al unísono, ya que es una primera etapa para hacer canto colectivo. Todos entonamos la misma línea melódica. En la medida que un coro vaya conociendo la lectura musical y otros elementos, se podrán abordar obras en las que interviene la polifonía, que consiste en varias líneas melódicas simultáneas, o la homofonía, que consiste en una línea melódica acompañada de acordes. Nuestro libro, A que la canción, es un primer escalón en el que hemos procurado iniciar en primera instancia el gusto por el canto colectivo, aunque valga comentar que a veces el cantar al unísono bien afinados representa uno de los más grandes retos del canto coral. Por último, vale hacer la aclaración de que en una canción de nuestro libro, La Norteña, proponemos un dibujo muy simple a dos voces. Esto con la finalidad de comenzar a tener conciencia del manejo, aunque sea muy sencillo, de dos líneas melódicas simultáneas. Hola, bienvenidos a nuestro programa de hoy. En relación a lo que acabamos de escuchar, está demostrado que en cualquier actividad un grupo humano que se lleva bien logra mejores resultados. Por ello, es importantísimo que el ambiente sea agradable. En inglés, tocar música se dice play music. La palabra play también significa juego. Hacer música es jugar, pero de una manera seria. Uno de los aspectos más importantes es lograr entender que el juego de la música requiere relajación, pero también disciplina, entendida esta como la capacidad de actuar ordenadamente y con perseverancia para obtener un fin. Debemos aprender a manejarnos en un ambiente cordial, incluso muy lúdico, pero a la hora de ponerse serios habrá que mantener esta disciplina de la que hablamos anteriormente. Esta también se ve reflejada en el llegar a tiempo, en tener disposición para el trabajo y los ejercicios. Procurar que los integrantes del grupo logren entender que este es un trabajo solidario y que todos aportaremos nuestro granito de arena para llegar a un fin común, que en este caso es hacer músico y lo más importante, disfrutarla. Hay que aclarar que no se deben hacer divisiones de los que son afinados de los que no lo son, incluso no empezar con clasificación de voces, porque la idea es que desde el primer día todos tengan la oportunidad de cantar. Y ya sobre la marcha el maestro podrá ir haciendo algunos ajustes sin caer en criterios que impliquen segregación. Pues hay que tomar en cuenta que nuestro método A, que la canción, es un método incluyente. Pero, ¿cómo se debe elegir el repertorio? Es muy importante en la práctica musical comenzar de una manera gradual de lo más sencillo a lo más complicado Cuando se trabaja con un instrumento poco a poco se van ejercitando los labios en una trompeta la dosificación del aire en un saxofón, la independencia o agilidad de los dedos en un piano o en una guitarra, por citar algunos ejemplos. Así, en un coro tendremos que abordar nuestro material, empezando por las piezas más fáciles a nivel lectura y problemática melódica, hasta llegar a las más complicadas. Esto de una manera gradual y sistemática. Solo recordaremos que en nuestro libro las canciones han sido señaladas con un grado de dificultad a través de asteriscos. Con uno, para el más sencillo. Dos, nivel medio. Y con tres asteriscos, el más difícil. Otros rasgos a considerar serán el gusto personal y además la dificultad rítmica y melódica que cada canción posee. Transversalidad artes plásticas, el teatro e incluso la danza. Es impresionante la imaginación que pueden tener nuestros participantes, ya sean niños, adolescentes o en algún momento adultos. Cuando pedimos que se cree algún movimiento relacionado a la frase de una canción, cada uno tendrá propuestas diferentes. Al verlas todas, podremos elegir una coreografía para una canción elaborada por todos. Esto nos vincula de alguna manera con la danza. La escenografía que se puede crear colectivamente para algunas de las canciones nos vinculará con las artes plásticas. Para ello se pueden pedir proyectos mediante dibujos de bocetos, que cada uno puede proponer para crear un entorno visual apropiado para cada canción. Algunas canciones pueden ser presentadas teatralmente, por ejemplo, la interesada de Chava Flores, en la que se puede crear una pequeña historia y representarse. En ciertos momentos se puede solicitar que por parejas improvisen a los personajes y las situaciones, e ir seleccionando las que, de acuerdo con todos, sean las mejores. Finalmente serán, la imaginación y la creatividad, lo que pretendemos echar a andar con todas estas sugerencias. Es impresionante el jugo que podemos sacar de cada canción de nuestro libro si procuramos el ambiente propicio Mejor no te bajo el sol, ni la luna, ni la estrella, pa' que no te pase nada A lo largo de este curso hemos hablado del disco de vocalizaciones. Toca el turno a que en verdad lo pongamos en práctica y lo escuchemos ejemplificado con un coro. Hoy nos acompañan algunos compañeros para poner en práctica esto. Quisiera presentarlos antes de comenzar con estos ejercicios. Gaby, Karen, Elizabeth, Dulce, Abraham, Christian, Román y nuestro amigo Felipe. Vamos a usar tres vocalizaciones de nuestro disco. La primera de ellas es con boca cerrada. Recordemos que en un programa anterior hablamos de que la posición de la boca tiene que ser como si tuviéramos una pelota incrustada en el paladar. Vamos a hacer boca cerrada articulando con M. Estas vocalizaciones son muy interesantes y además nos marcan cuatro tiempos antes de comenzar. Vamos a practicarla. Módulo 1, ejercicio A. La Biblia Vamos con la vocalización número dos. Escuchen. Ejercicio B. Escuchen y se integran a la siguiente. Mirá, mirá, me Mira, mira, me Vamos a hacer una vocalización más, pero vamos a procurar mantener la boca redondita, pero también recuerden este gesto amable. Los veo como muy tensos, a mí se me hace que los ejercicios no nos sirvieron. Relájense un poquito y vamos a hacer una vocalización más difícil aún. Ya saben, escuchen la primera y se integran a la que sigue. Está un poquito más difícil, así es que más cuidado. Y tranquilos. Ejercicio G Mírame, mírame, mírame, mírame, mírame, mírame, mírame, mírame. Este disco de vocalizaciones es un excelente apoyo, sobre todo si no tenemos instrumentos. instrumentos. Utilícenlo, es un muy buen material. Todo director de coro utiliza sus manos y sus brazos para dar un sinnúmero de indicaciones a su grupo, entradas, compases, silencios, matices, etc. En el caso del director de una orquesta utiliza una batuta que simplemente prolonga sus movimientos a fin de que sean vistos por toda la agrupación. Los orígenes de estos movimientos se llaman quironomía y los podremos conocer en la siguiente cápsula. Se conoce por quironomía el arte de indicar movimientos melódicos aproximados mediante ciertas evoluciones espaciales de la mano Su utilización fue muy extendida durante la Edad Media en su aplicación al canto llano En ella, la mano dibujaba en el aire la evolución de las melodías y sistematizaba en cierto tipo de gestos los diversos conjuntos sonoros que constituían líneas melódicas establecidas. Su etimología ha sido muy discutida, pues si bien la primera parte parece estar claramente vinculada al término griego heirok, mano, la segunda parte podría referir, o bien, orden. O bien, modo musical, melodía o canción. Estas dos acepciones, obviamente relacionadas, han dividido las opiniones en cuanto a la posibilidad de interpretar el primitivo origen de esta costumbre medieval como un arte de dirección de grupos musicales o como un modo de referencia para memorizar grupos de sonidos, en su sentido melódico. En cualquier caso, la Quironomía parece haber jugado un papel fundamental en la dirección de coros y se ha difundido tanto a través de la Iglesia Romana como de la Oriental. La Iglesia Ortodoxa Copta Egipcia ha mantenido hasta nuestros días a quirónomos que practican y enseñan todavía este viejo arte. Hablando con propiedad, en la actualidad la Quironomía sería un modo de dar indicaciones musicales. musicales. Como ya vimos en la cápsula, el acompañar la música con movimientos de la mano es una práctica de hace mucho tiempo. Para efectos de nuestra práctica docente, en primera instancia será conveniente aprender a marcar el compás. Ello lo ejemplificaremos con algunas piezas de nuestro libro A que la canción. Tomemos el caso del compás de dos cuartos, tomemos la canción La Adelita, que está en este compás y tratemos de llevar el movimiento hacia abajo y hacia arriba del compás de dos cuartos. Podemos escucharla, ir siguiendo, ir siguiendo con los movimientos. Música cómo es un movimiento hacia abajo y otro hacia arriba. Este es el compás de dos cuartos, un movimiento hacia abajo y otro hacia arriba. Podemos checarlo con otras canciones, puedes practicarlo en casa, viendo todas las canciones con compás de dos cuartos y siguiendo con los movimientos. Ahora vayamos a una canción en tres cuartos. El compás de tres cuartos se marca como un triángulo, una especie de triángulo, uno, dos y tres. Tomemos la llorona de nuestro método que está en la página 50, escuchemos la pista y sigamos el compás. Todos me dicen el negro, llorona negro, pero cariñoso. Todos me dicen el negro, llorona negro, pero cariñoso. Yo soy como el chileno. Vemos como el compás es uno hacia abajo, dos hacia la derecha y tres hacia arriba. Es un movimiento difícil porque a veces el tercer tiempo lo hacemos como muy corto. Tenemos que practicar mucho para dominar el compás de tres. El compás de cuatro cuartos se marca hacia abajo, hacia la izquierda, hacia la derecha y hacia arriba. Es un movimiento muy interesante. Bien, vamos a tratar de llevar el compás con una canción del libro que está escrita en cuatro cuartos. Vamos a elegir la vereda tropical de la página 81, vamos a escucharla y marcar. La noche plena de quietud, con su perfume de humedad. Bien, recordemos, el movimiento es hacia abajo, hacia la izquierda, hacia la derecha y hacia arriba. También el cuatro a veces nos sale muy corto, entonces tendremos que practicar. El compás de 9 octavos se marca como un 3, pero con subdivisión ternaria. 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9. 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9. Y como última referencia, aunque no viene en nuestro libro, el de 12 octavos se marca como el de 4, pero con subdivisión ternaria. 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9, 10, 11, 12. Bien, ¿qué les parece si repasamos todos los compases? El compás de dos cuartos hacia abajo y hacia arriba, hacia abajo y hacia arriba. El compás de tres cuartos hacia abajo, a la derecha y hacia arriba, hacia abajo, a la derecha y hacia arriba. Y por último el compás de cuatro cuartos hacia abajo, hacia la izquierda, hacia la derecha y hacia arriba. Abajo, izquierda, derecha y arriba. Ya el de seis octavos parte del del dos y el de nueve octavos parte del de tres. Hay que practicar mucho esto. Hay una actividad al final para practicarlo. La Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días Cabe hacer la aclaración de que a veces en una pieza hay cambios de compás. Estamos marcando un compás de dos y tal vez tengamos que ir a un compás de tres. Hay que estar muy atentos en esos cambios de compás. Por ejemplo, en la canción de la bruja, toda la canción está prácticamente en seis octavos y al final aparece un cambio a 9 octavos. O sea, tendríamos que ir 1, 2, 3, 4, 5, 6 a 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9. Realmente son muy pocos los ejemplos donde hay estos cambios, pero hay que estar siempre muy atentos para ver si los hay. El marcar el compás nos es muy útil, pues nos sirve para comunicarnos de alguna manera con nuestro grupo. Por ejemplo, para dar las entradas, para saber si nos perdemos, en dónde estamos, para tratar de ubicarnos. Entonces es muy importante marcar bien el compás para conseguir esta comunicación y que también el grupo se pueda cuadrar. Vamos a ejemplificar algunas cosas a través de este marcaje del compás y además otros signos que nos van a servir para comunicarnos con un grupo. ¿Qué les parece si lo primero que practicamos es las entradas? Vamos a hacerlo con la canción La Llorona, que es muy interesante porque tiene una entrada tética, que es una entrada en el primer tiempo, y posteriormente tiene una entrada anacrúzica. Mis amigos no conocen la canción, entonces vamos a poner una primera frase, ellos la van a imitar, una segunda frase y la van a imitar, y después vamos a tratar de dar las entradas. ¿Estamos de acuerdo? Bien. Vamos a escucharla. ¿Pueden cantar eso? Muy bien. Vamos a escuchar lo que sigue. ¿Lo repiten? ¿Lo repiten? Muy bien, la siguiente entrada es anacrúcica. Escuchen. Es una entrada anacrúcica porque no entran en el primer tiempo. Cuento uno, dos y repiten esta frase. Un, dos. Muy bien, lo vuelven a escuchar. ¿Listos? Un. Muy bien. Bien, vamos a escuchar, vamos a tratar de hacer esta primera frase. Como ven, hay 24 compases de silencio que hay que ir contando, o en un momento dado, también lo que se llama en la música, orejear. Hay momentos en los que escuchamos algo muy significativo, aquí hay unos platillos que nos indican que falta un compás para que comencemos. Lo ideal sería que contáramos, que fuéramos contando los 24 compases, pero si nos llegamos a perder, de ahí nos podemos agarrar. Vamos a tratar de hacer toda esta canción primero con la cantante y después usando la pista. Bien, este inicio. 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8. Todos me dicen en negro yo la negro pero cariñoso. Yo soy como el chile verde, lloran y cantan, pero salvo su. Yo soy como el chile verde, lloran y cantan, pero salvo su. Muy bien. ¿Qué les parece si ahora hacemos con la pista, sin el apoyo de la cantante, y se fijan muy bien en las entradas? ¿Listos? Vamos a usar la versión con pista, sin cantante. ¿Contentos? Muy bien, más o menos ya tenemos la idea de este comienzo. Ahora, ¿qué les parece si vamos a hacerlo a capela? A capela significa sin acompañamiento de nada. Bien, listos. Voy a contar un compás y entramos. ¿Listos? Todos me dicen negro, llorona negro pero cariñoso. Yo soy como el chile verde, yo no apicante, pero sabroso. Yo soy como el chile verde, yo no apicante, pero sabroso. Bien, cortamos. Esta canción tiene una entrada que es estética, una entrada que es en el primer tiempo, y una entrada que es en el tercer tiempo, que es anacrúzica. Y las dos las han resuelto muy bien siguiendo el compás. Vamos a ejemplificar ahora con esta misma melodía de la llorona los matices. Si hacemos un gesto muy pequeñito, el matiz será suave, piano. Si hacemos un gesto muy grande, el coro tenderá a entrar fuerte. Vamos a hacerlo. ¿Qué les parece muchachos? Bien, ¿listos? ¿Tienen el tono? Ah, qué bueno. Bueno, buen oído muchachos, muy bien, listos, y dice, primero, sigan el gesto, si yo hago un gesto pequeño, entran queridos, si hago un gesto grande, entran fuerte. ¿Qué haré? No sé, vamos a ver. Muy bien, los quise agarrar en curva pero no se dejaron. Ahora, vamos a hacer uno pequeño. Muy bien, más que lindo. Ahora, véanme. Muy bien, ¿se fijaron cómo fuimos haciendo el gesto más grande y entonces el coro reacciona de alguna manera? Muy bien, es muy importante matizar nuestras piezas porque si no quedan así como muy planas, muy aburridas, entonces hay que ir viendo en qué partes hay que subirle el volumen o en qué partes hay que bajarle. Bien, otro aspecto importante que hay que lograr de comunicación con el coro son los cortes. ¿Cuándo hay que cortar? Generalmente se utiliza este gesto para hacer un corte, como completar un círculo, y entonces el coro corta la nota. Vamos a hacer la primera nota de la llorona. A ver, cántenme la primera nota. Muy bien. Otra vez. Muy bien. Estoy haciendo una entrada directa. Ya no estoy marcando un compas antes y están reaccionando. Eso también es muy importante, aprender a hacer estas entradas directas. a ver vamos a hacer otra porque me gustó mucho como lo hicieron muy bien y además el corte perfecto muy bien muchachos hasta parece que tienen muchos años trabajando conmigo bien es importante entonces también hacer esta indicación del corte a veces se apoyan algunos maestros abriendo la boca O sea, cuando hay una entrada, abren la boca y cuando hay que cortar, cierran. Es como un doble gesto, pero algunos maestros lo utilizan. A ver, ¿qué les parece si me hacen caso? Hago gestos, ¿verdad? Así los maestros, bueno, pues hacemos este tipo de gestos. A ver, otra vez. ¡Qué bárbaros! ¡Qué buena entrada! Muy bien. Este es entonces también un apoyo el utilizar la boca. Ahora, no es conveniente que un maestro cante mientras un coro está cantando, porque inmediatamente la voz del maestro resaltará, podrá provocar a veces confusiones. No se estila que el maestro cante en una presentación. Quizá en un ensayo será necesario, pero en una presentación no es recomendable en absoluto que el maestro cante. Bien, hay ocasiones en las que a lo mejor detectamos que alguien se pierde en el ritmo y entonces tenemos que hacer algo fuera de nuestro esquema, tenemos que seguir marcando nuestro compás, pero tal vez hacerle una seña a alguien que se pierde. Voy a pedirle a Abraham que te pierdas, ¿qué te parece? Eso es un reto, es un reto tratar de cantar y oyendo que todos lo están haciendo bien y perderse es todo un reto. pero ¿qué tal Abraham si experimentamos con eso y te hacemos alguna seña y tú reaccionas a la seña? Bien, listos, primera vez que los veo sonreír en todo el día, muy bien, listos. Otra vez, la llorona, ¿tienen el tono? ¡Qué bárbaros, qué buenos son ustedes muchachos! Y dice, este… Todos me dicen el negro, llorona negro, pero cariñoso. Todos me dicen el negro, llorona negro, pero cariñoso. Muy bien, ahí de repente Abraham nos actó muy bien que se perdió y tuvimos que hacerle alguna indicación a la cual reaccionó. Déjenme decirles que no es cierto que mantuvieron el tono, ya están abajito bien a ver recuerden incluso ya la están conociendo muy bien ¿verdad? ¡Vamos! Bien, esto nos sirvió un poco para volver a agarrar el tono, pero además estuvimos jugando un poco a que reaccionaran que quedito, que fuerte. Bien, en los ensayos se trabaja este tipo de cosas. Se trata de lograr una comunión del director o del responsable del grupo para que sí, que lo sigan los integrantes, para que haya una comunión entre ellos. No se preocupen si al principio no nos salen muy bien los gestos, yo de hecho creí que hoy no me iban a salir, pero no se preocupen, la práctica va dándonos oportunidad de conseguir esta comunión. Es importante que también se crea un ambiente relajado, un ambiente lúdico. Acuérdense de lo que hablamos al principio del programa, de que música en inglés se dice play, y pues hay que play music, hay que jugar con la música de esta manera, disciplinada, pero divertida. No existe una única forma de disponer de un grupo coral. Existen varias opciones, sin embargo, lo más importante es que debemos procurar que todos los integrantes logren vernos y que el público logre verlos a ellos. Experimente intercambiando los lugares de todos los integrantes. Algunas veces alguien se siente más a gusto cantando con su amigo o con alguien que le da seguridad. Yo tuve en alguna ocasión un alumno que le llamaba a esto estrategia y se cambiaba de lugar hasta que encontraba el sitio en el que se sentía más seguro. Una vez que hayas logrado la colocación interna de tu coro, busca cuál de las disposiciones siguientes te acomoda mejor e incluso cuál se ve mejor. La música, al igual que las otras artes escénicas, es efímera, por lo que su presentación pública es necesaria como un medio para consolidar el trabajo de preparación y una manera de compartir los resultados con la comunidad. Ayuda a la autoestima ya que se logra fortalecer la capacidad de enfrentar a un público, y lo que es más importante, disfrutarlo. Para una presentación pública deberá ensayarse además del repertorio la entrada y la salida del grupo. Con total disciplina, en el espacio en el que se vaya a presentar. La grabadora deberá estar dirigida hacia los alumnos con el volumen suficiente para que la escuchen todos. Esto se deberá ensayar con anterioridad para que no cubra las voces, pero que tampoco no la escuchen. En muchas ocasiones es muy interesante incluir elementos escenográficos simples elaborados por el propio grupo. También se puede recurrir a un vestuario específico o incluso a la preparación de una pequeña representación teatral o coreográfica de la canción. La planeación es muy importante para una presentación en público. Hay que determinar en qué espacio nos vamos a presentar y tratar de adaptarnos a él de la mejor manera posible. Hay que, en síntesis, planear muy bien. Bueno, ¿qué les parece si ahora vamos a la recapitulación? Hoy hemos visto que la participación musical colectiva a través del canto coral es una manifestación enriquecedora También nos hemos acercado a algunos movimientos básicos de la dirección coral así como diversas estrategias para el montaje y la representación de nuestro repertorio. Ahora vayamos a ver las actividades posteriores a la emisión. Elijan dos canciones en compases distintos y marquen de principio a fin el compás sin perderse. Bien, pues eso es todo en el programa de hoy. El maestro Enrique Jiménez los espera en el próximo, donde van a aprender jugando en el aula. Y yo los veré al terminar este curso. Ah, no olviden hacer su tarea, ¿eh? Dibuja en una cartulina el compás de dos cuartos Tres cuartos y cuatro cuartos. Y sigue el dibujo con tu mano para que aprendas a marcarlos de una manera clara.