TRANSCRIPCION

Música Muy buenas tardes, sean todos bienvenidos, bienvenidas al aula magna José Vasconcelos del Centro Nacional de las Artes. Nos reunimos aquí en un momento muy especial para el Programa Internacional de Formación en Artes del Circo y de la Calle, PIFAC. Este programa, que comenzó en 2003, ha sido un pilar fundamental en la formación de artistas circenses en México, consolidándose como el único programa público de su tipo a nivel federal. Desde sus inicios ha promovido el desarrollo artístico, técnico y creativo de especialistas en las artes del circo, contribuyendo al crecimiento y profesionalización de este arte en nuestro país. En el marco del 30 aniversario del Centro Nacional de las Artes, se abrió por primera vez el Diplomado de Formación y Creación en Artes Circenses, con la intención de seguir impulsando la profesionalización de las y los artistas circenses. A lo largo de estos años, el circo ha evolucionado significativamente y este programa responde a la necesidad de ofrecer una formación integral de creación y expresión en el escenario. Para guiarnos en este viaje de aprendizaje y exploración, tenemos el privilegio de contar con, bueno, es una planta docente muy importante ha crecido aquí en el Centro Nacional de las Artes y, obvio, en otros espacios. Pero digamos que aquí fue la escuela que dirigió a Anatoli, que ahora queda su legado en manos de este cuerpo docente. Y ahora voy a presentar a Valerio Vázquez, que es el coordinador académico logístico en compañía con Rosario y su equipo, para dirigir este diplomado. Valerio es un destacado director de escena, payaso excéntrico y artista multidisciplinario que ha dejado una huella importante en el mundo del circo tanto en México como en el extranjero. Su trayectoria, que combina equilibrismo, balabares y comedia, lo ha llevado a presentar su obra en escenarios de Europa, Estados Unidos y nuestro país. Como cofundador de la gran pompa Teatro Excéntrico, Valerio ha sido reconocido con numerosos premios y su enfoque único en la fusión de técnicas circenses y teatrales le ha ganado un lugar destacado en la escena artística. Valerio va a estar de moderador y va a presentar a nuestro invitado de hoy que estamos de gala, Steve Smith, y que va a presentar una conferencia llamada Circo Ahora y Siempre. Sin más preámbulo, le dejo la palabra a Valerio. Muchas gracias. Gracias a Norma. Bueno, pues rápidamente unas palabras. Obviamente me siento muy honrado de poder presentar a un ser humano de la talla de Steve, un artista, un gran artista con una trayectoria sorprendente, ya la sabrán ahora mismo, porque voy a leer su semblanza. Y bueno, la idea de invitar a Steve fue buscando fortalecer el diálogo de las artes y esenciales con otras latitudes, diversificar un poco opiniones, puntos de vista de otros lugares. Y bueno, sin duda es un... Bueno, ya que conozcan su semblanza, sabrán lo importante que es dialogar con él. Entonces, bueno, pues, Steve Smith, nacido el 8 de agosto de 1951, payaso profesional y director de circo, mejor conocido por el público como el personaje payaso TJ Tatters. Smith comenzó su carrera en el mundo del payaso como graduado del Ringling Bros. Barnum & Bailey Clown College, promoción de 1971. Recibió cinco premios Emmy por logros sobresalientes en la televisión infantil y fue uno de los favoritos entre los espectadores durante siete temporadas. La conexión de Steve con Ringing Bros se reanudó cuando se convirtió en director de Clown College en 1985, cargo que ocupó durante 10 años. También fue director de la 123 edición de Ringing Bros and Barnum & Bailey Circus. Smith se involucró en la puesta en escena de numerosas actuaciones y producciones, desde el éxito off-Broadway de It Girl hasta programas para Walt Disney World y entretenimiento a bordo con Royal Caribbean Cross Lines. En 2005, Smith comenzó a trabajar con Big Apple Circus como su director invitado para cuatro producciones. En 2011, Smith comenzó su labor como director creativo del Conservatorio de Artes del Circo de Sarasota, Florida. Y el 1 de abril de 2015, Smith se unió al Circus Center, el Centro de Artes Escénicas y Entretenimiento del Circo en San Francisco, como su director creativo. Smith fue incluido en el Salón de la Fama del Payaso en 1993. También recibió varios otros honores, incluida la medalla al mérito por logros notables en artes escénicas de la Universidad de Ohio, el premio a la excelencia en las artes de la Universidad de Paul y el premio John Imabel Ringling Museum of Art Circus Celebrity, Power Behind These Scenes. Damas y caballeros, el señor Steve Smith. y en conclusión Y en conclusión, ¡Buenas tardes! La experiencia más bella que podemos tener es lo misterioso. Es la emoción fundamental que está al centro del arte real y la ciencia real. quien no lo conoce no puede asombrarse no puede maravillarse y básicamente está muerto y ciego Albert Einstein dijo eso y también dijo que la imaginación es más importante que el conocimiento porque el conocimiento es limitado y la imaginación estimula el progreso y lleva a la evolución las artes del circo es un estado constante de evolución y es lo que vamos a hablar esta noche. Muy bien, muy bien. Perdón que voy a utilizar mis notas, pero mi memoria como mi cabello ya no existe. Las artes circenses y esta constante evolución cambian todo el momento, se reinventan, se reimaginan, se mueven, evolucionan con el mundo que crece y respira alrededor de nosotros. Como un niño de cinco años en el parque, nosotros los del circo no nos podemos estar en paz. Como todos los organismos vivos, el circo vibra con energía como esta fusión nuclear en el sol. Y dentro de cada artista de circo está el corazón de las estrellas. Es esta clama inapagable de perfección, excelencia, talento y habilidad que nos lleva hacia adelante porque siempre buscamos ser mejores hoy que lo que hicimos ayer. Mientras buscamos mejorar, les diría que el arte en cualquier forma es la celebración de la imaginación. porque a diferencia de una pintura o una escultura que pueden ver una y otra vez el tener una perspectiva diferente una nueva perspectiva es arte que puedes revisitar mientras que el artista del circo tiene una experiencia compartida con un público que existe solo en ese momento en el tiempo y nunca va a ser igual estamos en un estado constante de flujo la ovación de anoche puede ser el público más indiferente de hoy. El trabajar para este público en vivo nos recuerda que nunca nos podemos dar por hecho. No podemos caer en la trampa de la mediocridad. Que es lo que sucede cuando llegamos a estas presentaciones en vivo, la complacencia. Una vez que nos ajustamos a lo básico, Debemos ser suficientemente conscientes para ver si está hablando de nuestro ego o nuestro corazón. Debemos estar abiertos a escuchar el criticismo consultivo y los pensamientos e ideas, no de cualquier persona, pero de aquellos que admiramos y respetamos. ¿Qué sucede si llegamos a la perfección? ¿De dónde vamos ahí? ¿Qué más se puede lograr? Esa es la corona de la carrera. Entonces, si tienen la fortuna de encontrar a la experiencia más elusiva, aquí el secreto es disfrutar el momento de la perfección, apreciarlo, agradecer al universo por alinear las estrellas, por darnos este regalo y continuar. Siempre estamos buscando esta perfección. Siempre estamos buscando ser mejores. No conozco a ningún artista que esté contento con su trabajo. Hay una historia sobre un pintor famoso que acaba de vender una de sus piezas por una gran cantidad de dinero, pero cuando el comprador llegó por la pintura y empezó a salir del estudio con ella, el artista gritó, ¡Alto! Agarró su paleta y su pincel, corrió al hombre, dio algunos pincelazos en la esquina inferior y dijo, Todavía no está acabada. ¿Alguna vez se han sentido así? ¿Alguna vez se han preguntado en dónde está el final? Bueno, se requiere un ojo fijo para conocer un cierre y una forma de empezar falsa. Y antes, en Barnum and Baby Circus en los 80, Miguel Vázquez, de 17 años, fue el primer trapecista en lograr un salto mortal cuádruple. Fue una gran noticia y un gran logro. A través de la temporada, Miguel intentó durante cada actuación repetir este logro. A veces sí lo logró, a veces no. Pero nunca dejó de intentarlo. Probando lo que hace un gran artista. Sí, la habilidad, el talento innato, claro. Pero las cosas que mantienen a Miguel Vázquez en un nivel más alto es la perseverancia y tenacidad del cuerpo y la mente. Como el proverbio antiguo japonés, caíte siete veces, levántate ocho. Nunca, nunca te des por vencido. Miguel a menudo no lo lograba, pero no lo observa como un fracaso. Siempre lo intentaba y nunca dejaba que esto lo quitara del éxito. Así que nos lanzamos hacia las estrellas mientras mantenemos los pies en la Tierra. Y lo que hacemos dentro del escenario viene de la perspectiva del mundo. Cómo vemos las cosas, cómo las interpretamos y cómo las presentamos hacia el mundo a través de nuestras actuaciones. Lo que vemos, especialmente como niños, forma mucho de lo que creamos. Hay una historia de un niño de ocho años que vivía con sus padres. Su mamá era maestra y su papá piloto de aerolínea. Y cada fin de semana sus padres y él manejaban al aeropuerto, dejaban al padre en el trabajo y la mamá y el niño lo ponían en el carro cerca de la reja y veían a los aviones despegar. Les encantaba ver los aviones despegar. Y para su cumpleaños con el nuevo, recibió la sorpresa de su vida con su primer vuelo. Y lo que era tan emocionante es que estaba en primera clase y lo mejor es que estaba en un asiento de la ventana así que podía ver el avión despegado. Se puso un cinturón, el avión se lanzó a los cielos y se lanzó a los cielos. Y una vez que llegaron a la altura de los cruceros, su papá regresó y le dijo, hijo, ¿qué pensaste de este despegue? Y el niño, viendo en la ventana, dijo, sí, papá, es tu padre, pero ¿cuándo nos empezamos a ser más pequeños? Todo se trata de la percepción. Y bueno, yo les voy a contar de la mía. Crecí en un pequeño pueblo en Ohio, Sainsville, Ohio, en Estados Unidos. Y aunque era de estatura pequeña, siempre sentí que era enorme. Era esta confianza creada, pero fue como lidié con crecer en un hogar caótico y loco. Mi escudo era mi sentido del humor. No podía pelear con mis padres, pero sí los podía hacer reír. Es increíble cómo el humor puede quitar la tensión del argumento, nivelar la cancha y permitir un discurso civil. Creciendo, mis héroes eran Lauren Hardy, Charlie Chaplin, Buster Keaton, los Looney Tunes, especialmente el corre-corrimo. Todos tuvieron un impacto profundo sobre mi perspectiva del mundo. Otra gran influencia para mí fue la música. Toque en las bandas de la escuela, la orquesta, el grupo de jazz, la banda de baile y de marcha. Yo era baterista y el aprender el tempo y el ritmo de los payasos en silencio de las películas, las extravaganzas de los Looney Tunes y las melodías me dio este trasfondo y esta capacidad de ver a las actuaciones. Pero, ¿qué hacía un niño pequeño en Ohio con esta información? Pues no fue hasta que el destino nos dijo cómo utilizar estos aprendizajes y pasaron en la primavera del 70. Era de primer año en la universidad estudiando teatro en su programa. Sabía que quería estar en las artes escénicas, pero no sabía en dónde o cómo encajar. Era joven, energético y estaba confundido. Y al mismo tiempo, en Estados Unidos, estaba en un estado de confusión también. La guerra de Vietnam estaba a todo lo que da y había protestas en los campos de universidades en el país. Y llegó un momento que cambió el país y mi vida. El 4 de mayo de ese año, el gobernador de Ohio, buscando reprimir las protestas, ordenó a la Guardia Nacional hacia el campus de la Universidad de Kent State. Durante el campus, la Guardia Nacional, utilizando fuego real, lastimó nueve estudiantes y mató a cuatro. Los campus alrededor del país llevaron a la violencia y nuestro campus estaba a tan solo 90 millas del de Kent State. Mientras la Guardia Nacional llegó a Athens, Ohio, había grandes protestas. Se volteaban los carros, las personas se golpeaban, rompían ventanas y se incendiaban cosas. Y mientras corría en el pasto, me llegó el gas narrimógeno y terminé en el centro de salud. Y ahí, en el revistero, estaba una historia de Life Magazine sobre el Clown College de Ringling Brothers. Y fue como si se abrieran las nubes y cantaron Los Ángeles. Esto es lo que estaba buscando. El lugar que te enseñaba a cómo resbalarte en una cascada de plátano sin romperte el cuello. Chistosadas básicas. Y entonces me robé la revista, solicité entrar a la universidad y fui aceptado. Sé que nadie te puede enseñar cómo ser un payaso o cómo ser chistoso. Sería como intentar enseñarle a alguien cómo ser un ser humano. Pero la escuela no estaba diseñada para hacer eso. Era un programa de ocho a diez semanas que ofrecía clases en habilidades circenses. acrobacias, gimnasia, malabarismo, oniciclo, zancos, pantomimas, maquillaje y cursos en artes y sensores clásicas, improvisación, clases de marcas, máscaras, coreografía, escritura de chistes y obviamente al ver a Chaplin, Keaton y Lloyd y a los Warner Brothers. Todo esto requería disciplina y exuberancia y respeto por el arte del clowning. Es un arte y como muchas formas del arte hay muchos enfoques hacia este trabajo. Utilicemos la danza como un ejemplo. La danza es un término genérico que describe un movimiento bajo... Y hay diferentes estilos de esta forma. Jazz, tap, ballet, baile moderno, breakdance, etcétera, etcétera. Bajo el clowning hay silencio como de tres aros, de un aro, de rodeo, de atroco, de calle, de cumpleaños, etcétera, etcétera. Esto nos dice que como actuadores y directores siempre debemos estar conscientes sobre el espacio en el que estamos y cómo modular nuestra energía para equiparar el ambiente en el que estamos. El trabajar enfrente de una cámara es muy diferente de trabajar en el escenario o justo al lado de la cama de un niño enfermo. En el Ringling Bros. trabajamos en escenarios enormes que recibían a 10, 20 o 30 mil personas o más. Y teníamos que quitar para muchas personas que pagaban mucho dinero, pero también para aquellos que estaban muy lejos en el balcón y merecían ver toda la acción del escenario. A veces esa mujer estaba a un cuarto de milla de distancia y en ese caso tienes que hacerte grandísimo, exagerado, pero con un movimiento claro. La claridad del movimiento es igual a la claridad de la historia. Y todos aquí contamos historias, ya sabemos trapecistas o acrobacias o payasos. El acto que sea tiene que tener un inicio, una parte media y un final claro. También ayuda tener capacitación como actor. Los actores tienen intenciones y motivaciones claras y nosotros también lo deberemos tener. Incluso si la audiencia no conoce la historia exacta que estás contando, lo sabrán si estás conectado con lo que estás haciendo o solamente si estás dando los pasos. Un acto puede tener muchos momentos hábiles, pero lo que una a esto. Es lo que ayuda a contar la historia. Me voy a detener y voy a hablar sobre el término artista. El término artista es una palabra, un regalo. Una palabra que te regalan. No nos lo podemos dar a nosotros mismos. Eso te lo tiene que dar un colega o un crítico. El ser un artista es un objetivo aspiracional. Lo que luchamos por convertimos. Sí, y cuando alguien nos llame artista, es un regalo para atesorar. deberíamos estar conscientes que la humildad es necesaria la confianza es esencial y el creerse es peligroso me considero un artista y siempre espero que alguien me considere como un artista yo creo que soy un artesano alguien que practica mi arte y siempre busca ser mejor me gradué de Clown College y me dieron un contrato con el Ringling Brothers para la temporada de 1972. En ese momento había dos unidades de viaje del show más grande en Estados Unidos. Hicimos dos shows al día, tres en los sábados, incluso tres el domingo, seis días en la semana, once meses. Era muy emocionante y muy cansado y había muchas cosas por aprender. por ejemplo, cómo mantener el show tan fresco y emocionante cuando primero empezó, incluso aunque lo hubiéramos hecho 550 veces en ese año. Y yo lo aprendí a pensar de esta manera. Aunque yo estaba cansado o aburrido de hacer el mismo show una y otra vez, en algún punto en la audiencia había un niño de seis años que estaba yendo al circo por primera vez y nunca tienes una segunda oportunidad para hacer una primera impresión. como actuadores le debemos a los artistas de siempre dar el 100% para cada show por eso decimos que estamos para y por y llevamos a una sola palabra el respeto el respeto por tu arte el clowning se remonta al 2100 a.C. y es difícil pensar en los nardentales. Ese fue el principio del clowning. La comedia física se puede llevar al siglo XVI o XVII y todas las rutinas diferentes que existen. Es una colaboración. Debes saber cuándo enfocarte, cuándo compartir el foco y cuándo dar el foco y salirte de la arena. El respeto a ti mismo, la cual sin esto no podrías tener la confianza, pero respeto también para la audiencia, porque sin ellos realmente no podemos existir. Como payaso aprendí que no a todos les gustan los payasos, entonces hay que saber cuándo acercarse a alguien o no. El ser sensible y consciente, especialmente con niños pequeños, si llegas muy rápido o con mucha energía, puedes asustarlos por completo. Y es mejor llegar a su nivel, no de forma condescendiente. Un niño de cinco años sabe cuándo le están hablando de forma condescendiente, pero llegar a una posición en donde puedes hacer contacto visual y esperar. El niño les dejará saber si quieren involucrarse, jugarán a las escondidillas o agarrarán su nariz o gritarán como un banshee. Y bueno, si esto pasa, inmediatamente se deberían ir. Uno de los aprendizajes más grandes que tuve es la regla del beso. Manténlo simple y estudo. Muy, muy simple. A veces más es menos. Uno de los payasos seniors era Otto Gribling. Era un payaso que había perdido su voz por el cáncer. Así que todo lo que hacía era por pantomima, ya sea en arena o detrás de cámaras. La simplicidad de su movimiento, la economía de sus gestos y el amor por lo que estaba haciendo era mágico. Lo veía cuando podía y me di cuenta muy rápido que yo necesitaba más entrenamiento. Y entonces le escribí a mi maestro de pantomima de la universidad. Le pedí un consejo, una cosa llevó a la otra y al final de la temporada rechacé la oferta de regresar al show y viajé a México para estudiar con Siegfried O'Aguilar durante 1973. Cuando regresé a Estados Unidos, Regling me contrató de regreso, esta vez como embajador avanzado, y esto significaba que en vez de trabajar con el circo, viajaría en una casa rodante y llegaría a la ciudad una semana antes del show. Después me iba a despertar a las 5 de la mañana y un representante de prensa me recogería, yo ya vestido, y me llevaría a los programas de radio y televisión. Haría un show en una escuela primaria, o hablar en una organización civil, después hacer otro show más tarde, visitar a niños en los hospitales locales, hacer una entrevista en las noticias de noche, convertirme en regresar a mi casa rodante, volverme humano y repetir esto. Hice esto durante cinco años, Y es donde tuve que aprender a modular mi energía, de la tele al escenario al hospital. Cada uno son ubicaciones únicas y tienen que abordarse de cierta forma. Para el quinto año, sabía que todavía no tenía suficiente educación. Así que me volví a ir de Ringling, esta vez para ir a la escuela de Goodman en Chicago para recibir mi licenciatura en arte. Y ahora sé que en mi experiencia me ve un mejor actor y somos estudiantes de la vida y somos estudiantes para la vida. Tengan cuidado de aquellos que creen que saben todo porque se han cerrado ante el mundo. Durante mi tiempo en Goodman, También tuve la oportunidad de escribir y dirigir dos obras para el teatro de niños, Clown Town y The Magically Marvelous, Wonderfully Wackly, Seriously Silly Center Ring Circus. También adicioné y recibí el trabajo de presentador de tele para un programa de televisión de niños en Chicago que duró siete años. Esto me permitió tomar todo el material que había creado mientras estaba conseguido y hacer un show que se llamaba Slapstick and Sotters, el cual fue muy bien recibido por el público y los críticos y los representantes de Wrigling que vinieron a verlos, que me llevó a que me ofrecieran el trabajo como decano de la Universidad de Payasos. y al final de estos 10 años fui elegido para crear y dirigir la edición 123 del circo Wrigling Brothers and Barnum and Beverly Circus. Era un show que tenía a David Larrieville y niños de todo el mundo con más de 100 personas en el cast, músicos y amables. Y les cuento todo esto para señalar cómo una cosa en su vida puede llevar a la siguiente cosa en su vida construyendo el momento. A veces, si tu trabajo habla por ti mismo, no lo interrumpas. Hay dos experiencias más de las cuales me gustaría hablar. Una nos saca del mundo del circo y al mundo de la animación. Si recuerdan, antes hablé sobre las caricaturas de Looney Tunes. Todos mis personajes favoritos fueron creados y o dirigidos por el señor Chuck Jones. Tuve la suerte de conocer al señor Jones en un programa de radio en Chicago. Estaba en mi outfit de payaso y cuando lo vi dije, Mr. Jones, soy Mr. Smith y lo amo. Y él me contestó de regreso, yo lo amo más. Y en ese momento empezó una amistad de 15 años que es muy valiosa para mí hasta ahora. Después me dijo, escuché que vas a ir de Ringling Brothers, quiero que vengas a Warner Brothers. Y por los siguientes dos años fue lo que hice. Dirigí su programa y ayudé a los jóvenes animadores para actuar sus storyboards. Y recuerden que Chuck insistió que las nuevas caricaturas no tenían que ser en CGI generadas por computadora, pero pintados a mano, lo cual significaba que para una caricatura de seis minutos había alrededor de 5,000 dibujos por caricatura. A veces era el pato Donald, a veces era Bugs Bunny, pero mi favorito siempre era el corre caminos y el coyote. Era comunicación no verbal, la acción contaba la historia. A Chuck le encantaban los payasos en silencio, Y cuando era un niño, su padre lo llevó a ver algo nuevo que estaba sucediendo en un nuevo estudio en Los Ángeles. Se reunieron alrededor de la valla y veían en los hoyos este nuevo comediante. Este comediante era Charlie Chaplin. Chuck recordaba estos chistes y los utilizaba en sus caricaturas, lo cual señala que nunca sabes de dónde vendrá la inspiración. Chuck resumía su filosofía así. Lo que hacemos es trabajo duro. Es 90% de trabajo duro y 10% de amor. Pero solo deberías poder ver el amor. La otra experiencia que quiero compartir con ustedes es mi tiempo que pasé con el Big Apple Circus en Nueva York. Pasé cinco años co-creando y dirigiendo cuatro producciones originales. Era un circo más íntimo que Wrigling. Era un circo de estilo europeo de un escenario en donde cada detalle importa, no más que la música que lleva cada acto individual. Este circo, como Wrigling, tenía músicos en vivo. El riego para mí como director era asegurarme que respetábamos los artistas que estaban acostumbrados de trabajar con música pregrabada. No me reuniría con algunos artistas hasta que empezaran los ensayos, así que era imperativo que me comunicara de cerca con cada acto para asegurarnos que nuestro director musical llevaría estas músicas a las cuales estaban acostumbradas a partituras musicales que reflejaran los mismos ritmos, crescendos, pausas y acentos que perfectamente apoyaban su acto. Era una colaboración completa. Creo que esta música es como otro personaje en la historia que estamos contando. Y es uno vital. La música correcta nos dice qué y cómo sentimos. Mientras al mismo tiempo establece en sentimiento y apoya la acción en el escenario o en cualquier lugar. La música como la pantomima es un idioma universal que puede ser entendido por todos. Todos tenemos música que amamos, tenemos el soundtrack de nuestras vidas, y el soundtrack de nuestras actuaciones es crucial para lo que hacemos y debe tratarse con el mismo cuidado y respeto que nos damos unos a los otros. Finalmente, el circo ha sido un arte establecido durante cientos de años. Continúa evolucionando y desde el COVID, desafortunadamente, algunos shows han cerrado, pero otros se han mantenido, llevando el circo tradicional como el Circo Vázquez, el Circo Vargas, Culpeper y Merweather, a circos socialmente conscientes como Circos Vela en California y Midnight Circus en Chicago, los cuales actuaron para audiencias en parques de sus ciudades. Más shows especializados como Circo Paranormal, a Circo de Ovnia, un circo inclusivo y accesible que tiene artistas de diferentes capacidades llevando la palabra imposible y dividiéndola hacia yo soy posible. Incluso las producciones como Cirque du Soleil y los Ringling Brothers quieren reintroducir nuevas audiencias jóvenes a la magia innegable del circo. Sin importar el tamaño o la historia de cualquier show, siempre debemos estar conscientes que nosotros invitamos a las personas por la magia. El público realmente no le importa nuestra historia o si les duele la cabeza o si el calentador en tu trailer se rompió y nos sirve, nos invitamos por la magia. Así que les tenemos que dar magia. Ponemos atención a cada detalle, como por ejemplo, que también han preparado su actuación, pero tan importante, cuánto tiempo pasan maquillándose, qué tan limpio y bien hecho está su outfit, cómo actúas en una coreografía, aunque lo odies, qué tan bien mantienes tu energía en la actuación y no la sueltas hasta que vas a una bambalina. Todo esto se agrega a cuánto crees en lo que estás haciendo. Si estás conectado completamente a cada momento que estás en el escenario, el público puede ser transportado a un lugar mágico en donde todo es posible. Y lo que sucede en esta carpa, en este escenario, es de otro mundo, donde personas ordinarias ven hechos extraordinarios que demuestran el potencial que tenemos todos para ser nuestra mejor versión. Por artistas que llevan nuestras tradiciones que han sido transportadas como la antorcha de las Olimpiadas. Es una gran responsabilidad, pero también es un honor único y singular. Y todo, cada circo que existió, cada artista que creó un acto, cada éxito y fracaso que han tenido, cada coach que ayudó a capacitarte, cada tradición que mantenemos, Todo empezó con una idea. Una idea. Parecen cosas simples, ¿cierto? Pero el tener una buena idea, la idea correcta, es un reto monumental. Ideas son cosas frágiles. Viven en este mundo entre el sí y el no. Viven en este lugar misterioso conocido como el tal vez. Son frágiles y se deben alimentar. El artista Richard Stein dijo, esto sobre el tema, las ideas, se mueven a través de mi mente como el metro. Vienen, van, cargan y descargan, haciendo ruidos, apareciendo, desapareciendo, todos moviéndose hacia algo, a algún lado, solos, juntos, vienen, las ideas. Y siguiendo las grandes ideas hacia su conclusión, requiere coraje. La idea son los huesos de las actitudes y las actitudes nos dicen cómo tratar al mundo. Y de regreso le cuentan al mundo cómo tratamos a nosotros. Las actitudes pueden aislarnos en nuestros infiernos, llevarnos a nuestros cielos, aprisionarnos en nuestra ignorancia o llevarnos al entendimiento de la vida. El mundo ha estado ciego mucho tiempo. su sangre muy rojo, su ritmo muy parejo, su piel muy delgada y sus objetivos muy cheos. Entonces, ¿de aquí a dónde? De la imaginación y las ideas. Así que, mientras tanto, hacia la infinidad y lo que es único y lo mismo en todos. Gracias por escuchar a mi pequeña historia. Muchas Muchas Muchas gracias Steve Bueno pues Ahora Tenemos programado una sesión de preguntas y respuestas Así que Adelante vayan levantando su mano Si ya Bueno, muy bien, muy bien Creo que entendí la pregunta. Entonces, cuando me dejé la cirugía para ir a la escuela de actividades, me gustaría aplicar ese arte que era ser un actor, y hice lo que otros actores hacen finalmente, que es ser un mesero, bartender más bien en la noche y para poder trabajar de día como artista. Y estaba en un ensayo en donde había más o menos 200 personas en un estudio enorme en Chicago, en Illinois. Y me contrataron, de hecho, como co-presentador para un programa de televisión para niños. y el público era de 9 a 13 años y era un foro para que yo estuviera en televisión y no para que yo fuera presentador y no estaba de hecho vestido como payaso, estaba vestido como humano, por así decirlo. Pero era una forma para que los niños que tenían un grupo musical o una colección de arte o de mariposas y en donde teníamos también a los directores del Sérgio y del Parque de Lincoln, que fueran ahí también, y era lo que llamaba la hora de los amateurs de los amateurs y eso duró durante siete años lo cual es mucho tiempo para un programa de televisión, y yo digo que el show o programa era bueno, sino realmente duró durante siete años y eso me permitió entonces empezar mi propia producción y compañía de producción, y así y pude tener mi show de payaso en Chicago como base. Tome todo el dinero que hice en televisión y lo puse para producir ese show o programa en particular. Lo llamé un show de un payaso, pero se requerían 12 personas para trabajar todo el equipo y teníamos todo el escenario y demás. Así que no se puede decir que era un show de una sola persona. Pero eso es lo que me apreció, realmente trabajar en televisión, permitirme y dar la oportunidad de mostrarme como payaso, sino también tener una audiencia o un público de jóvenes o de niños y no había riesgos de que no hubiera nadie. Siempre había alguien que iba con su familia, que crecían justamente con ese programa de televisión. Y me parece que la atención para niños es fundamental. Creo realmente que no se puede ser condescendientes con los niños. Todo lo que hacemos en nuestro show, en nuestro programa de televisión, que pensábamos que era chistoso, realmente se hizo a un nivel de adulto. Y en la época de que después varios niños se entregaban y nos demandaban y nos decían cuánto nos apreciaban que fueran todos en cuenta como adultos citados como tales, no sé tampoco cómo se creen hoy día, porque en ese entonces trabajaba para NBC, una de las grandes cadenas principales, las tres principales de los Estados Unidos, ¿verdad? Y no, ya no es el caso. Ahora todo es en plataformas de streaming y es mucho más difícil, no solo encontrar un trabajo, sino también encontrar un público para cualquier show o programa que tenga uno. Hay tantas opciones hoy día. Casi, casi que tienes que estar ahí con un altoparlante para que la gente te pelle por hacerse. Y así se vuelve más difícil, mucho más difícil. Y diría que si tienen un interés en ello, lo más importante entonces sería que ese piso buscan algo que describa una riqueza que pueda alinear los servicios de plataforma, streaming y a lo que queda de las canales de televisión también y seguir intentando una y otra vez. De nuevo, nunca, nunca se rindan, nunca usaré uno porque solamente tomo una sola persona para que les diga que sí a su trabajo y lo más difícil, lo peligroso más bien en el mundo creativo es la palabra. Si no, cualquiera puede decir si no, pero es cuando encuentras a esa persona que dice que sí, que abre la puerta para ustedes. Así que bueno, espero que eso haya resuelto o respondido a su pregunta. Sí. ¿Alguna otra pregunta? Anímense. Aprovechen. Bien, ya. Gracias. Buenas tardes, me llamo Daniel. Yo quisiera, no sé si nos pudiera platicar un poco más sobre su experiencia en los hospitales. Bueno, en particular he trabajado con comunidades indígenas, gente enferma y señores de la tercera edad. Y hay una cosa que siempre pasa, que es como un bajón de energía inmediato. Entonces, si pudiera platicar algo de esa experiencia, gracias. Muy bien, bueno, esto es un trabajo delicado finalmente y es algo frágil también entras a un entorno en donde realmente no perteneces al que no perteneces y hacer payaso en un hospital requiere mucha paciencia, mucha sensibilidad y una gran coordinación y colaboración con el equipo médico para que no solo sepan que estás ahí, sino que aprueben en qué situaciones o situaciones. o cuartosidad, porque por supuesto algunos niños, por ejemplo, serán más enfermos que otros, y algunos pacientes más enfermos que otros no pueden ser molestados, y entonces el poder de sanación de la risa y de ser payaso es enorme, y cuando puede uno hacerlo al lado de la cama de un niño enfermo y hacer que sonríe, simplemente eso ya es suficiente, eso ya es la recompensa, aun si no se ríen, si no se ríen, ya has logrado algo, a lo que fuiste a hacer. Es lo mismo con el área geográfica, por ejemplo, es en cooperación y colaboración con el equipo médico para asegurarse que la gente ahí, que están ahí, estén suficientemente alertas y sepan qué está pasando y que no los espantes, ¿verdad? Por supuesto, porque eso sería muy mal que les des un ataque cardíaco, por ejemplo, ¿no? Entonces, la sensibilidad, sí, es importante, muy importante, y la dedicación también al arte, como artesano, finalmente, porque a veces no tendrán una gran respuesta. Y eso está bien. Simplemente que alguien vaya a verlos al hospital ya es algo gratificante para ellos. Eso tendría que ser solo recompensa también. Cuando yo empecé a hacer trabajo en hospitales, eso fue hace muchos, muchos años. Y eso fue antes incluso de que había asignadas de cuidado, de payasos y este tipo de programas como Lafter Unlimited, Risa Ilimitada, que se habían establecido. Y hoy ya están bien establecidos estos lugares. Y es un gran trabajo que hacen, muy admirable. Si les llama la atención de hacer que la gente sea feliz en ese entorno de una forma tan sencilla, tan bien y calmada, es realmente un trabajo hermoso en el que uno puede incursionar. Gracias. Hola, mi nombre es Raúl Soy Paiso Mi pregunta va a el texto que tiene esto como un artista para delimitar tu tipo de comida en México es muy fuerte el humor se preste al doble sentido con las cuestiones fálicas o el doble sentido en México se llama algo ¿cuál es el filtro que tú utilizas para nosotros como payas nos reímos entre nosotros de cosas muy fálicas pero yo no utilizo nada de eso en mi espectáculo porque pretendo que el espectáculo sea para mí ¿puedes platicarnos algo sobre eso? sí Dado que he trabajado primero con los hermanos Ringley en un círculo de familia, Family Circus, y no se permitía ningún tipo de insinuación sexual o de doble sentido. Tenía que ser entonces muy directo, comedia física también, y muy orientado hacia los dibujos animados. Y en mi programa como payaso agregué un poco de sentido sexual, pero muy sutil. Estaba a lo mejor como coqueteando con ese aspecto sexual, quizás era lo mejor. Y obviamente cuando estás tras bambalinas, los chistes con los demás payas pueden ser un poco rudos. Y lo mejor es que se queden ahí tras bambalinas y que no sea en escenario, ¿verdad? yo tengo un problema de hecho con cuando los payasos sobre todo en la arena están actuando de forma fálica por así decirle y me parece que quita un poco de la magia del artista que está ahí trabajando y me parece que baja incluso el nivel profesional del artesano yo quizás es porque sea conservador, por así decirle, mojigato, pero en realidad, como lo he dicho en mi pequeña plática sobre la palabra arrepiento, hay que respetar al público y es respetar entonces los límites. Y me parece que si se invierten los papeles, si son los papás, por ejemplo, que están ahí con muchos niños de cuatro años, ¿aprobarían alcanza? Si se bajan los pantalones, bueno, sí, sí, pero mostrar las nachas, eso ya no está bien. Entonces hay una línea muy delgada entre lo que funciona y lo que no funciona, pero me parece que sí requiere justamente sensibilidad para nuevamente respetar a su público y tratar de mantener la barra de excelencia lo más alto posible. Le llaman un humor bajo por alguna razón, ¿saben? Bueno, espero que yo se haya contestado su pregunta. Hola, Steve. Mi nombre es Iván Vega. Soy payaso también y mi pregunta es, desde tu perspectiva, ¿por qué causas terminar el Clown College de Ringling? Si crees que en un futuro pueda volver a haber una escuela para payasos. Y donde si que lo puedes hacer, toda esa enseñanza, cómo se puede recuperar con todas las asignaturas o tópicos que enseñaban en el Clown College. y si harás otros videos como el de Villa Clown de Ringling. ¡Oh, Dios mío! Bueno, aquí es lo que pienso al respecto. El Clown College de Ringling se estableció porque el señor Irving Feld compró de John Rindling North. Y también compró un circo en Alemania para tener a un entrenador de animales con fama mundial. Hace muchos años me parece que ustedes no han escuchado de esto, ¿verdad? Pero entonces él requería a payasos para tener en ambos shows y por eso se empezó con el Khan College y el entrenamiento de la institución era específicamente para un estilo de arena muy grande y muy exagerado, ¿verdad? tipo de comedia entonces, pero como él pagaba, no había gastos en ello, o pagar matrícula, y entonces era algo muy específico de un tipo de circo en particular, y me parece que sí intentamos obtener artistas de algunos shows, de arenas, y por algunas producciones también, y también de películas, para darles justamente un conocimiento más amplio de lo que estaba allá afuera, pero la actuación era simplemente para tener a esos estudiantes que se grababan y que tenían un contrato para que tuvieran estas actuaciones y viajaban a veces con tres unidades de viaje o con el ciclo, con el plan en circo Ringling era muy específico y también era muy caro. Como director de la escuela yo sé cuánto cuesta finalmente para entrar a cada estudiante en lo individual. Teníamos entre 40 y 60 estudiantes cada año, 60 durante 10 semanas únicamente y y de esos 40 o 60 estudiantes, solamente una tercera parte, quizás, se les daba un contrato de un año con el circo Ringley, así que cuando haces los números, costaba mucho para dar esta capacitación y era un fenómeno, realmente. Quizás eso ya no haya en cuanto a programas de educación, pero me parece que aquí en México hay un programa ahorita que está llevándose a cabo, y está en su primer año, me parece. Y queremos alimentarlo, asegurarnos de que crezca, de que siga creciendo y será entonces muy bonito. Así podría haber trabajo más intenso de payasos que suceda, que se lleve a cabo con todo respeto. Tiene un nuevo gobierno. Esperemos que vean bien a las artes, especialmente las artes circenses y quieran ayudarnos en la financiera a este tipo de ramas de capacitación. Esperemos entonces también que su presidenta influye en nuestro país y que también tengamos también una mujer presidenta. En todo caso, bueno, eso es. Hola. Steve, hola. Buenas tardes. Me voy a parar para hablarte. Solo por aquí. Voy a estar para escucharte. ¿De acuerdo? ¿De acuerdo? Ok, ok. Steve, ha sido mi maestra por muchos años y me recuerda muchas emociones que pienso mucho y me parece que muchas memorias y hay algo que tú quise y Jesús Steve Absolutamente Corría el año de 19... Decía que has sido mi maestro por muchos años y que este es un momento muy emotivo escucharte y escucharte con este grupo de gente que conozco, de payasos que yo considero que son la vieja escuela. No los voy a señalar para que no se sientan aludidos. Pero también payasos que yo vi empezar como payasos y que ahora son maestros míos. Y otros payasos que he visto interesarse por ser payasos y que es una nueva generación. Entonces aquí están varias generaciones. vemos varias generaciones y somos los que teníamos que estar aquí hoy contigo. No hace falta nadie más, ni sobra nadie para escucharte. Y desde que entré a la Universidad de Payasos, justo un año después de que tú ya no eras el director, Todo el mundo hablaba de ti y eras una referencia constante y todos los maestros se referían a ti. El mismo Dick Monde y el director que a mí me tocó hablaba de ti. Entonces estaba tu legado muy presente. Y ahí empecé a ser tu alumno, hasta antes de conocerte. Antes de conocerte, antes de que pensaras que yo era el hijo de Sigfrido Aguilar. Tenemos el mismo nombre y me sorprendió que me abrazaras con tanto cariño y me preguntaras por mi papá. Yo dije, bien, bien, en su oficina. No quería sacarte de la confusión, quería que pensaras, porque a mí mismo me hubiera gustado tener a Siegfriedo como papá, pero lo tengo de maestro. Y me gusta tener el nombre de Andrés Aguilar ahora todavía más. Pero hay algo, hay tres cosas que yo he aprendido de ti en muchos sentidos, ahora que son solamente los festivales que nos mandan a China, en donde veo a amigos mutuos, gente que te ama igual que yo y que te reconoce y te sigue. y volvemos a hablar de Steve Smith y siempre decimos que tu gran lección como maestro, payaso, como artista es siempre hablas de amor y a mí eso es lo que más me gusta hablar de amor como payaso, hablar de amor como incluso en el sentido poético de la nariz roja, como ponerse el corazón en la punta de la nariz y a veces me tachan de obsesivo al respecto pero me gustaría que andaras en esos dos temas de los tres que yo más reconozco que me has enseñado uno ya lo extendiste que es el de ser profesional respetar al público estar ahí con amor para ellos pero aquí para sobre todo la nueva generación la importancia del amor en la profesión el amor propio, el amor al arte el amor al público y la historia la historia porque tú has visto la evolución del circo en los últimos años la que no viviste pero que de niño conociste y después estudiaste y enseñaste hasta la que tú mismo provocaste pasando de las tres pistas al Big Apple y ahora pues a todos los formatos que has explorado, gracias por estar aquí, gracias a quienes hacen posible que estés aquí Creo que deberías haber hecho el discurso el día de hoy. No tenían el dinero suficiente para pagarme. Por cierto, tengo que decir simplemente que esto quizás me puso muy nervioso hablar con ustedes, con jóvenes estudiantes. Sabía que iba a haber otros payasos profesionales. Mi estómago está volviéndose loco. No es para que lo sepan. No hace una diferencia cuánto llevas en la carrera. simplemente siempre sientes nervios y cuando no, eso es cuando tienes que retirarte y renunciar, por así decirme. De todas formas, gracias muchas por tus palabras tan amables y por supuesto, sí, el amor. Siempre lo dije, para poder hacer el tipo de trabajo, requieres un corazón del tamaño de Alaska y querer darlo, entregártelo todo diariamente. Les garantizo que regresa ese corazón y de muchas otras maneras también pero hay que poder ver al payaso. Y no quiero ser mi lado crítico, pero mi oposición a veces con grandes shows como Cierre y Soleil es que hay tanto en la máscara, en los disfraces. No puedes ver al artista finalmente. Quiero ver al artista que está trabajando. Y sí, por supuesto, los diseños son hermosos. El aspecto técnico es fenomenal, pero yo quiero ver al ser humano que está ahí adentro o detrás de la nariz roja. Quiero ver ese elemento humano. Siempre hemos dicho en Ringling, por ejemplo, que los paisos eran el aspecto más humano del circo. Más personas no pueden imaginarse de ir a una jaula con leones y tigres y osos o cabalgar con elefantes, pero sí pueden reírse con los payasos porque los paisos eran el hombre ordinario, el hombre común. Y yo pienso que para poder seguir relacionándose con esto, lo más importante de todos los ingredientes es el respeto para su público. Y si se mantiene esto en su mente, si lo mantienen, si lo consideran, esto guía su trabajo y les dice en qué dirección dirigirse. Siempre he creído que cuando algo me hace reír, pienso que un niño de seis años también va a reír, eso es como me acerco al trabajo, por así decirle. Y en cuanto al amor, pues bueno, al final del día, eso es lo que se trata finalmente. Sí, nos encanta actuar, pero lo que irradias mientras das tu actuación es tu corazón que está ahí. Desnudo es abrirse y decirles, vengan a mi corazón, a las personas que están ahí, y darles un abrazo colectivo a su público cada vez que tienen un show. De eso se trata. Tendría que ser así. Espero que eso responda a su pregunta. De cierto modo, y gracias, debería servir que su hijo lo extraña, ¿verdad? Hola, ¿qué tal? Soy Carlos Reyes, también soy payaso, acá estoy. Y hablando un poquito del año de 1973, en el cual estudiaste con su imprido Aguilar, Muchos artistas o muchos queremos salir al extranjero a aprender, porque pensamos que ahí está lo mejor, que ya están los grandes maestros y todo eso. Es un arrago que tú lo menciones a un maestro mexicano que haya sido acervo de tu formación y de tu cultura escénica. Mi pregunta es, ¿qué te aportó la técnica de Cifrido Aguilar para tú poderlo llevar a escena a tu personaje? ¿Qué te retroalimentó y de qué te sirvió el haber estado con Cifrido Aguilar? Por supuesto, Cifrido para mí era una persona mágica. Tiene mucho corazón. Pero lo que me enseñó realmente es la economía de movimientos. que menos es más. Que si estás ahí muy ocupado, haciendo chistoso, haciendo cosas, eso es como espagueti. Y eso estorba y confunde al público. No saben qué carajos están viendo. Y claridad entonces en los movimientos significa claridad de la historia. Y eso es lo que aprendí de sufrido. Si voy a recoger una flor y verla, tengo que pensar que está ahí. aunque sea tanto mima. Si la hago dos veces y lo veo, la flor, y digo, tengo que creer que esa flor está ahí finalmente. Y si no lo creo, el público tampoco lo va a creer, nunca lo va a creer. Así que no es que hay que hacerlos creer, sino realmente es este arte de hacer creer. Y así que si veo la flor, lo voy a alcanzar. Con un movimiento voy a pararme, tomar la flor, recoger la flor y oler la flor. paso a paso, movimiento por movimiento, y es como él nos enseñó a hacer nuestras rutinas, paso por paso por paso. Eventualmente, cuando haces estos ensayos y empezas a actuar, eso se nivela, ya no se ve tan rígido, ya no se ve tan robótico, y no se ve como, no, fluye junto, pero si se aprende esa técnica de cómo construir una rutina, paso por paso, movimiento por movimiento, sabrás simplemente qué es lo que sigue. Nunca te vas a perder en tu rutina. Siempre sabrás qué sigue. Es como un actor que toma un guión y lo escribe con sus intenciones. ¿Qué quiero hacer con esta escena? ¿Qué es lo que estoy buscando con esta escena? Es lo que hacen los actores. Una razón por la que los paisos no hagan lo mismo también. O también trapecistas o cualquier tipo de artesanos o artistas haces que la historia esté en tu cabeza y mientras eso esté ahí y sea algo real en tu cabeza, entonces el público lo entenderá y seguirá y entenderá. Espero que sea contestado su pregunta. ¿Alguien más? Hola, mi nombre es Laura. Maestro Gusto, quisiera que nos hablara de la repetición de un acto, de un show. ¿Qué descubrimientos tuvo en el proceso de repetir un mismo acto durante largos periodos de tiempo? ¿Cómo podía mantenerlo fresco, novedoso y cómo fue madurando poco a poco ese acto? Sí, gracias Laura. Hola, Laura, ¿cómo estás? Es una mentalidad finalmente que tienes que tener. Cuando estaba tras bambalinas, me estaba vistiendo como payaso, tomaba una hora para ponerme el maquillaje, tomaba mucho tiempo, ¿verdad? Y eso me ayudaba también a pensar el show que quería dar y para que me estaba preparando. podría visualizarlo un poco como los atletas que visualizan cuando van a jugar golf o cuando van a jugar béisbol. Así que yo visualizaba esto y mi punto era que recordaba que cuando era la primera noche del show, había mucha emoción, toda la energía de todo el mundo estaba muy elevada y es lo que quería recrear cada vez, una y cada vez, cada día. para que me tomara una hora para prepararme, para llevar a ese nivel de excitación o de emoción que se reconstruyera en mí para poder salir a escena y buscar a ese niño de seis años que sé que está viendo el show por primera vez y quiero que la experiencia sea mágica para ese niño en particular. Y por supuesto que a ese niño de seis años no le importa lo que me pasa con las banderinas y no tendría por qué preocuparle. Eso no es el punto. Él vino a ver esta magia y hay que darles magia. Es un trabajo arduo, definitivamente. Por eso digo que, más allá del talento, tenacidad es el elemento más importante de cualquier artista. Debido a la repetición, justamente. Porque a lo largo plazo, el enemigo es el aburrimiento. Una vez que el público siente que estás aburrido, los has perdido. Gracias. Hola, buenas noches, yo soy Juan Francisco La pregunta va un poquito más como por este camino Nos repites que nosotros tenemos que salir con la mentalidad De que siempre va a haber alguien que va a haber hecho por primera vez Como para Tener fresca esa magia Que vamos a dar Pero en cuanto a uno Que también hacemos muchas cosas físicas Por los años van pasando Y Cuando tienes una trayectoria muy grande Yo te veo Fuerte ¿Cuál es como esa mentalidad que tienes Respecto a ti mismo Respecto a lo que tú das Como para mantenerte de pie y independientemente del querer darle esa magia al público, también estar como pues, no sé con toda la energía para repetir, repetir y estar así durante años, durante mucho tiempo pues que pues sin que mentalidad tienes que hacer cosas que puedes dar en general a todo lo que se dedica así Gracias. Muy bien. ¿A qué te refieres con muchos, muchos años? ¿De qué estás hablando? Ah, bueno, sí, sí, sí. Y bueno, esto es donde hay respeto para uno mismo. Ahí es donde importa el respeto hacia uno mismo, el autorrespeto. Esto, tu cuerpo, finalmente es tu herramienta de comunicación y tienes que cuidarlo. Eso quiere decir que cada día hay un acondicionamiento. No para. Simplemente porque, ah, bueno, sí, me aprendí el truco, ya sé cómo hacer el truco. No, sí, pero tienes que poder hacer el truco en el show de la mañana, de la tarde, la despertina, de la noche, etc. Entonces, bueno, sí, acondicionamiento. Tienes que cuidarte a ti mismo. Tienes que quererte a ti mismo, ¿verdad? Tienes que hacerlo, sí. Y entonces, no vas a poner cualquier cosa en tu cuerpo, ¿verdad? Que va a dañar tu cuerpo, ¿no? Tampoco una posición en donde puedas lastimarte, aun cuando mucho de las habilidades, por ejemplo, trapezistas y otros tipos de acróbatas, por ejemplo, tienen esa tendencia de poder arriesgarse. Es parte del riesgo que hay que tomar para hacer este tipo de trabajo, pero no tendría que persuadirte de no comenzarte a hacer el trabajo. Es nuevamente un aconseñamiento, es estar preparado para sus ensayos, porque eso es cuando ocurren realmente muchos accidentes, durante los ensayos. Así que entre más capacitado estés, entre más calentamiento hagas con buena nutrición, alimentación también y solamente la mentalidad de amar lo que haces. Si amas lo que haces, eso finalmente se va a traducir al público. Van a sentir ese amor, esa pasión, van a entender esa energía, la van a captar. Y a eso se resume asegurarte de que el corazón maño de Alaska, esté ahí presente. Y digo que lo otorguen diariamente, pero se les va a regresar diez veces más, ¿verdad? Esa certificación. Así que sí es posible tener una carrera larga. Soy muy afortunado, efectivamente, de poder seguir haciendo. No exactamente diré mi edad, 73, ok, ahí está, ya lo dije, ni modo, 73. Pero no solo es posible, sino también es muy fácil. Y puedes aburrirte con una dieta, puedes aburrirte también con ejercicios, pero hay que encontrar una nueva dieta, nuevos ejercicios también que puedes hacer. No caigas en la trampa, hay que ser complaciente, decir, ay, bueno, sí, voy a hacer calentamiento, sí, ya, ya, está listo. Siempre hay que estar, alcanzar más y ser mejor cada vez. ¿Sí? ¿Sí? ¿Ayudó? Hola, mi nombre es Fer y soy estudiante de diplomado en Arte Circenses, aquí al Senado. Y primero que nada quiero agradecer las palabras que nos ha dicho, han sido una caricia al corazón. Solamente estoy como muy agradecida y muy emocionada por todo lo que he escuchado, lo atesoro aquí en mi corazón. Y pues hay muchas cosas que me han resonado bastante. Porque bueno, también me estoy formando como payasa, me gustaría llegar a ser payasa. Y bueno, no hay tantas cosas que me hicieron, como más tríos de la cesta de los que comentaron, que fue los mayas de los que se han extendido a los que se han presentado en los que se han presentado en los que se han presentado en los que se han presentado en los que se para no estar ya en la parte de la gente y también se sabe que pues bueno que no le damos la historia y pues obviamente pues creo que no lo voy a decir más como como como y ya como es creo que los creativos más de crisis y y pues creo que eso Sí, bueno, hablas de algo muy importante que es la confianza. Y es difícil finalmente el trabajo que hacemos y a veces lo sabes que lo hiciste muy bien. La rutina es perfecta si te sientes muy bien contigo mismo. Al día siguiente, el mismo show, la rutina no sale tan bien, cargas balas, tu timing no estuvo bien, saltaste una sensación, estás deprimido y estás enojado o enojada. Está bien que estés deprimido y enojada, pero saclo de tu sistema. No lo retengas. Finalmente, si vas a casa después de un show y estás muy triste, pon la música más triste que conozcas y lloras. Realmente, es muy bueno para tu alma. Que salgas, que salgas. Y las emociones estas son normales, naturales, van a suceder. También les recomendaría ir a terapia. Sé que reímos, ¿verdad? Pero reímos y reímos, pero no lo digo de broma, en serio. Una forma en la que me he mantenido sano y mentalmente sano también en este negocio de la farándula, que es un negocio muy crítico, se podría decir, es difícil, es rudo. La gente no es tan linda, ¿verdad? Los productores a veces son crueles. situaciones a lo mejor que te prometieron, ¿verdad? O una actuación y a veces no sucede. Entonces hay que poder defenderse ante ello y ser más fuerte que eso. Así que sí, hago mucho trabajo personal en mí. Simplemente como amor propio y autosanación. Sí, tengo un terapeuta, ¿verdad? Pero por Zoom nos vemos en línea. así que donde esté puedo aún así ver a mi terapeuta porque es importante de hablar al respecto si se mantiene ahí embotellado o en el interior va a salir de algún modo u otro lo vas a gritar a alguien vas a gritar de feo a alguien realmente no lo sientes entonces ese enojo saldrá de algún modo entre más lo hablas de ese fantasma que tienes en la cabeza el más chiquito se hace más chiquito así que esos malapresimentos que tienes en tu cabeza entre más los hablas con alguien que entiende como terapeuta, eso disminuye la profundidad de ese daño, digamos, de ese sufrimiento. Pero sí es una montaña rusa, no hay otra forma de describirlo, entras a un negocio que requiere que des mucho de ti todos los días y que a veces eso, si quisieras que alguien más te dé algo de regreso, de vuelta. Pero sí, de nueva cuenta, hay que enamorarse de lo que uno hace. Y si lo haces de esa manera, hará que todo sea más sencillo. En verdad, no lo estoy diciendo así nada más. No estoy diciendo que sea algo fácil, sino que es rudo porque vale la pena. Definitivamente, gracias. Ok. Oh, sí. Oh. Sí, adelante, gracias. Mi nombre es Mariano. Quiero preguntarte, bueno, es una pregunta creo que muy específica. Si tú quisieras, si tú no fueras un payaso reconocido y tú quisieras incursionar en esta época, en este país como payaso, ¿cuál sería tu idea? ¿Qué harías? Bueno, buscaría un programa de capacitación, más de un programa sin ofender. Pero entre más información puedas obtener de diferentes maestros, de diferentes puntos de vista y perspectivas, ayudará a construir en ti cómo actúas como payaso. así que pues no conozco a los profesores aquí de Cloud en México pero estoy seguro que hay varios y hay muchos circos y hay muchos payasos y lo que es importante es encontrar personas que han estudiado por ejemplo si estudiaron aquí hablen con personas que estudiaron con alguien más y vean si eso les ayuda no sé si recuerdan, pero dije que somos estudiantes de la vida, somos estudiantes para la vida, y nunca dejamos de aprender, yo todavía tomo clases. Nunca llegamos al punto en donde creemos que sabemos todo o que somos tan buenos. Hoy soy un payaso muy famoso, mucho gusto. 200 son 200 dólares, muchas gracias. O sea, agradezco lo que nos compartes. Creo que mi pregunta va más enfocada con mi sociedad. O sea, como payaso, a esta edad, en este momento que estamos viviendo, si tú tuvieras la oportunidad de, digamos, incursionar en este país dando un mensaje, ¿qué mensaje te gustaría dar? Digamos, sabemos cómo está cambiando ahorita nuestra visión. Tenemos una presidenta que es un nuevo pensamiento en un país machista, conservador. pero no tiene que ser esos temas, pero digamos, tú conociendo lo que conoces de nuestro país, ¿qué mensaje darías a la sociedad siendo un payaso? Sí, respetarse uno al otro y respetar a todos los humanos. Es esta palabra, el respeto. El machismo del que habla, lastima a los jóvenes porque eso pone un ejemplo de algo que puede dar una inspiración y pues es dañino tomar el riesgo de ser vulnerable como actor es lo que buscas y creo que si eres suficientemente valiente para ser vulnerable en tu trabajo encontrarás el público si lo vas a encontrar y vas a encontrar gente que también te va a ignorar a los cuales no les vas a gustar pero eso lo tienes que dejar ir si sabes en tu corazón que lo que estás haciendo es bueno y puro y real entonces lo demás es la opinión de alguien más y lo que piensen las personas de ti no es de tu inconveniencia ok, muchas gracias nuevamente Soy yo, Cato Reyes. Quiero hacer otra pregunta. Hoy por hoy, ¿qué le dirías tú a las nuevas generaciones que hoy decidieron ser payaso? ¿En qué se tienen que preparar? ¿Cuáles son las bases? ¿Cómo tienen que crear su entrenamiento? porque no hay una escuela real y dicen, tengo que estudiar para vagares, tengo que estudiar esto y como que está un poco desenfocado a tu experiencia que llevaste de Tronco College ¿Cuál sería el tronco común para que estudiara y empezara a desarrollar el arte una nueva generación de payasos? ¿Y qué le dirías tú a los viejos payasos? ¿Cuál sería tu mensaje para los viejos payasos que aún tenemos alma de luna? Sí, sí, sí. 73 aquí, 12 aquí adentro. No solo los payasos, pero los artistas circenses de cualquier disciplina. ya que hay una falta de programas, y bueno, pero hay muy pocos lugares en donde se puede estudiar. Entonces, no sé qué clase de redes sociales utilizas, pero puedes ver cosas muy chistosas en TikTok, por ejemplo, en Instagram, para darte una idea, especialmente en humor contemporáneo. No solo porque seamos estos payasos no significa que no vamos a hacer este trabajo contemporáneo. Entonces, para enterarnos de lo que está sucediendo en el mundo ahora es ver las redes sociales y recibir ideas, porque hay cosas muy chistosas. Y es una forma buena de estimular nuevas ideas y para crear nuevo material. Y desafortunadamente, mucho tiene que ser un autoaprendizaje. Por eso ves estos videos de cómo ser payasos, porque realmente no hay un payaso cerca o una escuela cerca de ti. Y el malabarismo es lo mismo. A veces en una ciudad hay un club de malabarismo, pero si no, empieza uno. No hay ninguna razón por la cual no pudieras crear tu nuevo grupo de personas que están interesadas en estas cosas similares. Entonces pondría atención a las redes sociales porque de ahí vienen las nuevas ideas. Bueno, pues no me queda más que agradecer a todos su presencia. Agradecer, por supuesto, al mismísimo artista Steve Smith. Muchas gracias, Steve. Y los invitamos a un brindis aquí afuera, ahora mismo. bienvenidos adelante y podemos convivir un rato más muchas gracias hasta la próxima Gracias.