TRANSCRIPCION

Programa 6: Géneros y estilos de la música popular y tradicional de México Generalmente concedemos todo el mérito o el valor a la música europea en la conformación de nuestras culturas musicales. Sin embargo, cada cultura tiene su propio desarrollo con base en sus propias necesidades de expresión. La música europea tiene características que no comparte con otras culturas musicales, pero no necesariamente dichas características son mejores, más ricas o avanzadas, simplemente son diferentes. Por ejemplo, la música indígena precolombina tuvo cambios importantes a partir del contacto con la cultura europea, africana y asiática en el periodo virreinal. Al llegar los europeos a América a finales del siglo XV, se encontraron con grupos que tenían lenguas, creencias, costumbres y culturas distintas a las suyas, lo que generó en los primeros encuentros un fuerte choque, dando inicio a nuestras actuales sociedades mestizas e interculturales. A su vez, los europeos que llegaron a América no eran grupos homogéneos, ya que venían de casi ocho siglos de nominación árabe, en donde convivían religiones como la musulmana, cristiana y judía. Por otra parte, los negros traídos como esclavos para sustituir la mano de obra de los indios también procedían de grupos que tenían una gran variedad de lenguas y costumbres, lo que nos habla de la diversidad cultural reunida en el nuevo mundo desde el siglo XVI. Los grupos indígenas actuales son los herederos de las manifestaciones culturales de origen prehispánico, transformándolas en un amplio mosaico de culturas locales en diversas regiones del país. Hoy en día, las culturas indígenas utilizan la música como un elemento demarcador del espacio sagrado, pues el uso y función que le asignan a esta actividad, representa, junto con otros elementos, un factor determinante en la reproducción de su cosmovisión y sus tradiciones, generalmente en el orden de lo sagrado. No es común identificar su música con aspectos estéticos, pues los músicos indígenas cantan, tocan y danzan para mantener el orden del universo, para asegurar una buena siembra y una fructífera cosecha, o bien para ahuyentar los malos espíritus o para apaciguar el enojo de la naturaleza. Estos no son elementos que deben verse como supersticiones, sino como una manera distinta de entender el mundo, es decir, una razón práctica los motiva a tocar un instrumento, ya que la música es parte de la ordenación del universo. Por otra parte, la formación de diversos grupos culturales a través del proceso de migración a las ciudades e identificados entre otras cosas por la música, permitió el desarrollo de una música popular urbana con diferentes y diversos géneros y estilos. Basta con señalar algunos. el surgimiento de los géneros afroantillanos en México en la década de 1920, como el danzón, la música en los salones de baile, salsa, mambo, Cha Cha Cha Foxtrot Los géneros, estilos y agrupaciones musicales no bailables El bolero La Trova Yucateca La canción ranchera El mariachi Los tríos, etc. El surgimiento del rock and roll en la década de los 60 y posteriormente el rock. La canción de protesta. El canto nuevo. El corrido urbano. El jazz latino. Hasta la música electrónica o el hip hop en la actualidad. En México, la música ha estado ligada socialmente a las actividades de nuestros pueblos, tanto en las comunidades rurales como en las ciudades, dando como resultado un abanico grande de posibilidades musicales. Sin embargo, a pesar de este gran mosaico musical, lamentablemente en las escuelas profesionales de música, pareciera que solamente la música europea de concierto es la única digna de estudiarse, olvidándose de la diversidad cultural. A este factor le agregamos que las grandes industrias culturales, llámese radio, televisión, internet, fonogramas, etc., han privilegiado la difusión de cierto tipo de música, dejando fuera una gran cantidad de expresiones musicales, como es el caso de la música tradicional y popular mexicana, entre otras. Bajo esta lógica parecería que una persona esculta musicalmente hablando si puede diferenciar la música de Bach de la música de Brahms, pero no sucede lo mismo si puede distinguir las diferencias y similitudes entre un son huasteco, un son de tarima o un son abajeño. En este programa los estaré acompañando. Muchas veces la música de concierto aparece como algo ajeno, como algo totalmente serio y solemne, que dista mucho del gran placer que les brinda escuchar la música de su preferencia. Sin embargo, la división tajante entre música culta y popular elimina la posibilidad de descubrir e identificar los múltiples puentes que se tienden entre ellas. Por lo tanto, la idea de culturas cerradas o puras imposibilita la comunicación intercultural entre distintos grupos. Para cualquier acercamiento con la educación artística, incluida por supuesto la musical, además del conocimiento intelectual que lleva implícito, es de vital importancia tener experiencias auditivas. El trabajo educativo debe ir más allá de saber tocar el himno en alegría en la flauta dulce, sino atravesar escenarios de sensibilización auditiva, pues de ahí a la ejecución del instrumento musical solamente hay un paso, ya que cualquier ser humano tiene las posibilidades de interpretar o cantar una canción. El objetivo de esta serie, teniendo como eje el método A que la canción, es justamente que la mayoría de la población, sobre todo los niños y jóvenes, mantengan y enriquezcan su gusto por la música, ampliando su capacidad de disfrutar las manifestaciones musicales, reconocer y descubrir la riqueza cultural musical de las vertientes popular y tradicional, así como descubrir los elementos interculturales inherentes a casi cualquier manifestación musical. Estos son algunos puntos que pueden cambiar la concepción de la educación musical y concebirla como un factor de aprendizaje, apreciación y reconocimiento de la diversidad cultural en nuestro país y en el resto del mundo. Como ya lo explicamos en una emisión anterior, existen básicamente dos formas en que se transmite la música, por tradición escrita y por tradición oral. En ese sentido, la llamada música clásica de concierto, culta o académica mexicana ha sido creada a partir de la escritura musical, formando diversos géneros y estilos. Por su parte, la música tradicional, folclórica o étnica se ha desarrollado mediante la tradición oral, igualmente formando diversos géneros, estilos y agrupaciones. En cuanto a la música popular, entendida esta como una música masiva y mediatizada, es un híbrido entre la tradición escrita y la tradición oral, formando diversos géneros, estilos y agrupaciones. A lo largo de esta historia, nuestro país ha sido semillero de una gran cantidad de músicas, tanto clásica como popular y tradicional. Pero, ¿cuál es la diferencia entre género, estilo y agrupaciones? Vayamos a ver la siguiente cápsula. Hablar de géneros musicales es un tema muy amplio porque implica no solamente abordar aspectos meramente musicales, sino también características sociales y culturales. Es decir, son músicas que se reconocen convencionalmente por la similitud de aspectos expresivos de carácter musicales y culturales. Como señala el musicólogo chileno Juan Pablo González, el género musical es el vehículo a través del cual se ha manifestado tanto la música clásica como las músicas populares, permitiéndonos definir campos artísticos, prácticas culturales y funciones sociales con cierta claridad. Por ejemplo, entre los diferentes géneros de la música tradicional mexicana tenemos sones, jarabes, danzas balonas gustos, etc. los cuales se han desarrollado a lo largo de muchos años. En la música popular urbana tenemos diferentes géneros como son el rock, el danzón, el blues, el mambo, el bolero, El jazz, etc. Estos géneros igualmente se han formado y desarrollado a través de los años, teniendo en la actualidad varios cambios y adaptándose a las nuevas realidades sociales y culturales. Por su parte, hablar de estilo tiene varias connotaciones o significados. Puede ser definido como la manera característica de presentación de cualquier arte. También se puede referir al elemento que adapta y modela cada tipo de obra de arte a su función. Por ejemplo, el estilo de la novela o del ensayo, o bien, puede indicar la personal manera de expresarse del artista. Es decir, el toque que lo distingue de otros artistas. Por ejemplo, el estilo de Wagner o Brahms. O entre el estilo de cantar de Lucha Reyes o Eugenia León. En ese sentido, en el ámbito de la música tradicional, podemos ejemplificar lo anterior de la siguiente manera. Tenemos como género básico el son, y como estilos del son, podríamos mencionar los siguientes. El son huasteco, son jarocho, son jalisciense, son guerrerense, son abajeño, etc. En el ambiente de la música popular podemos ejemplificarlo de la siguiente manera. Consideramos como un género al jazz y como estilos de jazz al swing, cool, bebop, hard pop, fusión, etc. La agrupación es el nombre específico como se conoce a un grupo de personas que se reúnen para interpretar un determinado tipo de música, tomando en cuenta el tipo de instrumentos que utilizan. Siguiendo los ejemplos anteriores, tenemos como género el son, como estilo el son huasteco y la agrupación que lo interpreta el trío huasteco, quienes utilizan el violín, la guitarra huapanguera, la jarana huasteca y el canto con falsete. Por su parte, en el ejemplo del jazz, este sería el género básico. El estilo puede ser el swing y la agrupación una big band. Estos son algunos ejemplos sencillos que nos permitirán identificar o visualizar las diferencias entre género, estilo y agrupación. También la cuestión del género se hace más difícil, ya que en el caso de la música de tradición oral, ésta se va transformando con el desarrollo y acercamiento a los medios de comunicación y la tecnología proceso de mediación, a través de la llegada del disco, la radio y el cine, moviéndose del espacio privado al público y del ámbito local a uno globalizado. En la música de concierto, muchas de las formas musicales fueron surgiendo en los distintos periodos de la historia. A la música anterior al Renacimiento se le llama generalmente música antigua. De esta época, que abarca desde los primeros ejemplos musicales de los griegos hasta el medievo, surgieron himnos, danzas y otras formas relacionadas con la iglesia como la misa. En el Renacimiento surgieron más danzas y nuevas formas vocales como el motete y el madrigal. En el barroco surgió la ópera como fusión de teatro y música, la cantata para cantarse con voces, y otras obras instrumentales como la suite, como convento de danzas. ¡Adiós! La Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días En el periodo clásico surge en la forma sonata como un molde preestablecido que se aplicó a la sinfonía o al concierto para solista y orquesta. Siglo XIX fue el siglo del Romanticismo en el que surge el lead, como una forma de canción culta. Si bien en el siglo XX no se crean nuevas formas musicales, existió un replanteamiento de las ya existentes con una óptica diferente que permitió el cruzamiento de las distintas músicas, gestándose el libre tránsito de las más diversas y variadas manifestaciones musicales. En México, el siglo XVIII fue el siglo de los villancicos, las misas y las cantadas. ¡Gracias! En el siglo XIX, el siglo de la ópera y las pequeñas formas musicales llamadas de salón. La Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días Y el 20, la síntesis de una música de concierto con un sello nacionalista y de proyección internacional. En la actualidad, muchos compositores mexicanos de música de concierto tienen una gran apertura hacia cualquier manifestación musical, juntándose sin problemas con la música popular o la tradicional. Es bien sabido que el desarrollo de los diferentes géneros y estilos de la música tradicional mexicana se debió al proceso de mestizaje cultural ocurrido entre indígenas, europeos, africanos y asiáticos en el periodo colonial, creando una diversidad de sonidos en constante transformación, mismos que han conformado las regiones musicales de nuestro país. Desde el México precolombino, sobre todo en la región cultural conocida como Mesoamérica, hay evidencias documentadas del interés que tuvieron las culturas prehispánicas por la enseñanza del canto, la danza, la poesía y la ejecución de diversos instrumentos y objetos musicales en los lugares llamados cuicacali. Es conocido que entre los mexicas y mayas había la firme convicción de que la religión, la ciencia y el arte eran partes indisolubles en la unidad del cosmos y pensaban que la música tenía una función en la sociedad al contribuir en la preservación del orden establecido. Por este motivo, en la mayoría de los testimonios de los cronistas se habla de la musicalidad natural de los habitantes de la Nueva España, lo que permitió, entre otras cosas, un fuerte arraigo a la música y la danza en el pueblo mexicano. Según el investigador Vicente T. Mendoza, se han determinado varias zonas musicales cuyo eje es de carácter cultural, por lo que un mismo estado de nuestro país puede pertenecer a diferentes regiones. Noreste, Coahuila, Nuevo León y Tamaulipas. Norte, Centro, Nuevo León, Coahuila, Chihuahua y Durango. Noroeste, Sonora, Chihuahua y Sinaloa. Occidente, Nayarit, Jalisco, Michoacán y Colima. Bajío, Guanajuato, Querétaro, Jalisco y Aguascalientes. Huasteca, Veracruz, Puebla, Hidalgo, Querétaro, San Luis Potosí y Tamaulipas. Costa, Grande y Chica, Oaxaca y Guerrero. Centro, Distrito Federal, Puebla, Morelos, Estado de México y Tlaxcala. Sotavento, Veracruz y Tabasco. Península, Yucatán, Campeche y Quintana Roo. Sur, Chiapas y Tabasco Y sureste, Tabasco y Campeche Sin embargo, debido a lo amplio del tema, solamente abordaremos algunos ejemplos presentes en el método A que la canción Son Jarocho. Correspondiente a la región del Sotavento en el estado de Veracruz, estos zones poseen una gran influencia de la música barroca europea. Como es el caso de los zones La Lloroncita, el Pandanguito y el Aguanieve, y de elementos africanos como los zones El Coco, La Iguana, El Jarabe Loco y La Bamba. La dotación instrumental varía de zona a zona. En la región del puerto se utiliza el arpa, la jarana y el requinto jarocho. En la zona de Jaltipan y Minaticlán se toca el zon con jaranas de diferentes tamaños, incluida la más pequeña al que le llaman mosquito, además de la segunda y tercera jarana. En la región de Tlacotalpan se toca la jarana y el requinto, además de un pandero hexagonal. En los Tuxtlas se sustituye el arpa por un grupo de requintos de diferentes tamaños y alturas, requinto primero, requinto segundo o jabalina, requinto tercero o guitarra de son y requinto cuarto o leona, algunos le llaman bozarrona. Gran parte de su repertorio procede de la época virreinal del que surgió una riqueza melódica y rítmica especial. En los zones jarochos se cantan coplas y estribillos en forma de llamada y respuesta. Actualmente se siguen componiendo versos y zones nuevos gracias a las grabaciones de diferentes grupos, los utrera, mono blanco, son de madera, los parientes de Playa Vicente y Chuchumbé, entre otros. Son huasteco, estilo musical formado a partir de la mezcla cultural de los grupos nativos de México y de la música de Andalucía, sobre todo de la provincia de Málaga. Que se ha desarrollado en la Sierra Madre Oriental, donde confluyen amplias zonas de diferentes estados. Hidalgo, San Luis Potosí, Veracruz, Tamaulipas, Puebla y Querétaro. Interpretado por el trío huasteco con fuertes resabios de cante andaluz, utilizan el violín con melodías muy virtuosas, generalmente sin vibrato, ejecutado sobre el acompañamiento de la guitarra guapanguera de cinco órdenes de cuerdas, tres de ellas dobles y una jarana de cinco cuerdas. En el canto, lo más característico es utilizar un breve falsete en la mitad de una palabra o al final de un verso. Entre los zones más conocidos se encuentran la Malagueña, el Gusto, el San Lorenzo, la Petenera, la Presumida, el Cielito Lindo y la Cecilia. Actualmente, el son huasteco ha tenido un proceso de urbanización que ha tenido como resultado un nuevo estilo llamado huapango, teniendo a compositores como Lorenzo Barcelata, Andrés Huesca, Elpidio Ramírez y Nicandro Castillo. Uno de sus máximos exponentes fue Miguel Aceves Mejía, quien interpretaba un falsete prolongado como una forma de lograr mayor virtuosismo en el canto. Son oaxaqueño, estilo musical proveniente de la región de la costa, en el que confluyen el son propiamente y el género de la canción. El estado de Oaxaca está formado por siete regiones, los Valles Centrales, la Sierra, la Costa, la Mixteca, la Cañada, el Istmo y la región de Tuxtepec, formando como consecuencia una gran variedad musical. Justamente en la región del Istmo se encuentran una gran cantidad de zones, valses, boleros, oaxacados, sinfonías, que son los nombres locales a un determinado tipo de música. De manera general participan en su ejecución diversas agrupaciones, bandas de viento que interpretan diversos instrumentos de metal Los conjuntos de marimba en el que intervienen diferentes músicos dependiendo del tamaño del instrumento Y agrupaciones que utilizan diferentes instrumentos de cuerda como el bajo quinto, la guitarra y requintos acústicos, el banjo, etc. Uno de los géneros más ocurridos es sin duda el vals. Varios de estos zones son interpretados con el acompañamiento de guitarras acústicas. Entre los más conocidos tenemos la tortolita, la sandunga, la martiniana, la petrona, la tortuga y por supuesto Dios nunca muere. El bolero. En el ámbito de la música popular, sin duda uno de los géneros más sobresalientes es el bolero. Dicho género entró a México, proveniente de Cuba por el estado de Yucatán a finales del siglo XIX. En este periodo surgieron composiciones para voz y piano con modificaciones rítmicas importantes. De este desarrollo se originó el moderno bolero mexicano en la segunda década del siglo XX con composiciones de músicos mexicanos, por ejemplo, Armando Villarreal, Emilio Pacheco, Domingo Casanova, etc. Y sin duda el bolero que impulsó dicho género fue nunca de Guti Cárdenas. Entre sus representantes más destacados se encuentran Cirilo Vaqueiro, Pepe Domínguez, Ricardo Palmerín, Guti Cárdenas, Álvaro Carrillo, Agustín Lara y recientemente Armando Manzanero y por supuesto la agrupación más representativa, el trío romántico. Por ejemplo, los Panchos, los Tres Haces, los Tres Reyes, los Tecolines, los Dandis, los Jaivos, etc. Canción ranchera. La canción campirana surgida en el siglo XIX atravesó por un nacionalismo que desembocó en la canción añorante al estilo de canción mixteca, la borrachita y la pajarera. Este tipo de canción elaborada por músicos con preparación académica tuvo tanto arraigo entre la gente que en 1919 la RCA Víctor grabó en Nueva Jersey una serie de canciones de este tipo. Sin embargo, el estilo ranchero bravío fue el resultado de una conjunción de diversos elementos. Por ejemplo, la forma de cantar adopta en unos casos la impostación en la voz y en otras ocasiones se prescindía por completo de ella, utilizando directamente la garganta. Otro factor importante en la creación de la música ranchera fue la producción cinematográfica, donde se abordaron temas referentes a la canción ranchera y el estereotipo del charro cantor, como fue el caso de la película Allá en el Rancho Grande. Entre los temas que empezaron a dar vida a dicho estilo se encuentran Adiós Mariquita Linda, de 1925, de Marco Antonio Jiménez. La Negra Noche, de 1926, de Emilio Uranga. allá en el Rancho Grande de 1927 con arreglo de Silvano Ramos y el Limoncito de 1928 en arreglo de Alfonso Esparza Oteo. En la década de los años 20, la canción ranchera estaba desligada del mariachi con el que ahora se le asocia indiscutiblemente, ya que en un inicio se le acostumbraba a cantar acompañado de un piano, orquesta de alientos o de cuerdas. Entre los principales intérpretes están Miguel Aceves Mejía, Luis Aguilar, Felipe Charro Gil, Francisco El Charro Habitia, Pedro Infante, Jorge Negrete, José Alfredo Jiménez, Lucha Villa, Cuco Sánchez, Felipe Valdés Leal, Rubén Méndez del Castillo, Rubén Fuentes, Chucho y Tomás Méndez. Identifica si las siguientes canciones corresponden a la música popular o tradicional Amorcito corazón Deja que salga la luna La bruja La Llorona, Peregrina, ¿Quién será? y El Andariego. En la actualidad, la televisión, radio, video, casete, el disco compacto y el internet facilitan que una gran mayoría de seres humanos tengan acceso a distintos tipos de músicas. Los límites entre lo tradicional y lo popular urbano cada vez son más estrechos debido a que las manifestaciones musicales tradicionales presentan cambios y reinterpretaciones ideológicos y estéticos. además de llegar a las regiones más distantes de su lugar de origen. El surgimiento de la radio, que en su origen no fue creada para la difusión de música, permitió la masificación de la música y generó la necesidad de la interpretación en vivo, lo que generó cambios en la relación con el espacio público, pues ahora se tenía la capacidad de consumir o interpretar música en los hogares de manera privada. A partir del desarrollo de la industria discográfica, empieza una pugna entre la radio y la producción de discos, lo que genera que dicha industria empiece a hacer ciertas distinciones entre la música popular de masas, entendida como una música masiva y difundida mediante los medios de comunicación, y la música popular tradicional, entendida como el resultado de un proceso histórico desde el periodo virreinal. De esta manera, la música se transforma en un producto que se puede vender, creando nuevos accesos a los medios de comunicación, donde ahora las músicas de tradición oral empiezan a tener nuevas formas de difusión y transmisión, gracias a la tecnología, elementos que aprovechará la industria musical. En este sentido, es común identificar cómo algunos músicos retoman diversas influencias creando nuevas vertientes que antes eran consideradas antagónicas, como es el caso del rock indígena. Grupos como Hamak Kassim, Sak Tsebul, Lumaltok, Jamoneka, reivindican sus cantos tradicionales en sus propias lenguas indígenas, pero apropiándose de elementos del rock, haciendo una propuesta musical y cultural diferente. Asimismo, los músicos urbanos retoman diversos lenguajes musicales para combinarlos con otros. Por ejemplo, a partir de la recreación de ciertos géneros tradicionales, como el son y el jarabe, desarrollan otros lenguajes musicales fusionados con tradiciones urbanas como el jazz, el rock, el blues, etc. De esta manera, nos damos cuenta que la tradición no es estática, al contrario, se va adaptando a las nuevas necesidades de expresión de un grupo social, a través de un proceso cíclico que consiste en la tradición, la reinterpretación y la innovación. Teniendo como base los planteamientos y conceptos anteriores, en el método A que la canción, se buscaron en primera instancia canciones que representaran a las dos vertientes musicales de las que hemos hablado, popular y tradicional. Sin embargo, como hemos estado hablando a lo largo de la emisión de Diversidad Musical y Cultural, es que hemos incluido brevemente una explicación y fragmentos de música académica, a pesar de que nuestro método solamente está formado por música popular y tradicional. Como ya lo señalamos, el objetivo final de nuestro método es devolver la canción mexicana a las nuevas generaciones en el contexto de la escuela, por lo que se escogieron piezas representativas de diferentes épocas, géneros y regiones. Como un primer acercamiento al canto, los arreglos fueron realizados pensando en las tesituras adecuadas a los niños de primaria y en algunos casos de secundaria. Se grabaron las pistas con diferentes instrumentos musicales, algunos con instrumentos reales acústicos y otros con sonidos sintetizados a través de un teclado, de manera que se tuviera un acompañamiento estable en el momento de practicar el canto. También se escogieron las piezas que no tuvieran saltos de intervalos difíciles para no complicar el disfrute del canto en esta primera etapa, ya que como recordarán, uno de los objetivos del método AKE, la canción, es la transversalidad. Es decir, que teniendo como eje el canto y la música, los niños tengan oportunidad de reafirmar aspectos de otras materias como pueden ser historia, español, geografía o civismo. Musicalmente se pretendió que los arreglos reflejaran el ambiente sonoro del género o estilo a practicar. Es decir, en los zones jarochos como la bruja y la bamba, se incorporaron los sonidos o timbres del requinto jarocho y de la jarana. En los zones hitmeños como la Llorona y la Martiniana se introdujo un instrumento muy particular de la zona el cántaro que va apoyando los sonidos del bajo En las canciones rancheras o en los corridos se utilizó la vigüela y la guitarra sexta forma de remitirse a la época o regiones como fue en el caso de Nuestro Gran Amor o de Caballo Prieto Azabache. En algunas piezas con influencia de son cubano, como son Veracruz y ¿Quién será?, se utilizaron instrumentos de dicha tradición como es el tres cubano o piano, los bongós y las claves. En el aspecto rítmico se respetaron los motivos principales originales que dan pie a la identificación general de la pieza, por ejemplo, el ritmo de la habanera en la pieza a la orilla de un palmar. En otros casos, se hicieron arreglos con nuevos skedmas rítmicos para dar nuevas sonoridades al arreglo, pero sin perder la esencia de la pieza, como es el caso de Ay Sandunga. Finalmente, las líneas melódicas trataron de cantarse lo más apegado posible a las versiones más conocidas, debido a que, como ya lo mencionamos, la melodía es el elemento que hace que se identifique una pieza. Para que no hubiera complicaciones importantes en la práctica del canto, se evitaron finales con sonidos muy altos o en su defecto se escribieron a la octava abajo, como fue en el caso de los finales de El andariego o de Bésame mucho. Con estos comentarios, la idea es que tengas mayor acercamiento a las piezas desde el punto de vista histórico-musical y de esta manera una mejor interpretación de las mismas. A continuación, hablemos un poco de las interpretaciones que los maestros especializados o que tienen mayor experiencia en música pueden aportar a nuestro método A que la canción. Como ya lo señalamos, este método de A que la canción fue pensado como un primer acercamiento al canto en el ambiente del aula, desde una perspectiva lúdica y no por eso rigurosa en su metodología. Debido a este factor, las piezas que integran nuestro método fueron grabadas y pensadas para cantarse a una sola voz y con una pista karaoke de por medio. Sin embargo, conforme haya mejor entendimiento del método y mayor práctica musical y del canto, es posible aumentarle de manera gradual ciertas voces. Podemos empezar a practicar con una pieza que se presenta para trabajar la independencia de voces y tener la capacidad de concentrarse en una voz sin moverse a la otra, como es la norteña. A partir del compás 21, en el que aparecen dos voces, las cuales se pueden practicar prolongando el sonido del final de cada verso de manera que se junten. La primera voz hace la siguiente figura melódica. Y el ejercicio consiste en que la siguiente voz se tiene que tocar al mismo tiempo sin irse a la voz primera. Procuren mantener su voz para que no haya cruzamiento de las dos voces. Otro ejercicio en el que podemos agregar mayor trabajo es en la pieza ¿Quién será? que está nuestro método en la página 71. La pieza está en la tonalidad de Do menor y el ejercicio consiste simplemente en el final agregarle las notas del acorde. Vamos a tocar cómo está en nuestra versión. El ejercicio consiste en agregarle las notas del acorde como les había dicho. Terminamos con la nota de Do. Simplemente es agregarle la siguiente nota que sería el Sol. estas dos voces tendrán que ir sonando y siguiente nota que le agregaremos será el Mi bemol que sería de manera que cuando sea el final estén las tres voces presentes en vez de ser solamente se escuchará Esperemos que estos ejercicios sean de utilidad. De igual manera, aunque el método viene acompañado de pistas, el maestro puede ir incorporando instrumentos, sobre todo de percusión, para acompañar las piezas. Después de un adiestramiento rítmico previo a la práctica con las pistas. Asimismo, si el maestro ya tiene mucho tiempo con sus alumnos y han estudiado la práctica de algún instrumento melódico o rítmico, armónico, paulatinamente se pueden ir incorporando de manera que en algún momento se pueda plantear la pieza únicamente con el acompañamiento de los instrumentos en vivo. Para ejemplificar cómo podemos incorporar instrumentos, sobre todo de percusión, vamos a trabajar uno de los ejemplos de nuestro método Ake la canción. En este caso, escogeremos la pieza negra consentida que viene en el disco 3, pista 1. En este caso vamos a trabajarlo con computadora, pero sabemos que en las escuelas es mucho más práctico trabajarlo con equipo de audio con grabadoras. Muy bien. Vamos a ejemplificarlo con una percusión muy fácil y muy sencilla que podemos tener en todas las escuelas, que son las claves de este instrumento de origen afrocaribeños. Obviamente esto requiere de mucha práctica. Cuando el maestro trabaje demasiado con los niños, tendrá la posibilidad de que estos vayan aumentando el grado de dificultad. Un primer ejercicio consistirá simplemente en llevar el pulso. simplemente podemos llevar el pulso que este ejercicio en sí mismo es complicado porque hay que mantener la velocidad sin correr ni atrasarse obviamente como habrá muchos niños que tengan este instrumento debemos tener mucho cuidado que se escuche un solo golpe entre todos Conforme vaya practicándose el ejercicio podemos hacer algo un poco más complicado que es tocar la clave, por ejemplo Este ejercicio es un poco más complicado porque igual que el anterior tendrás que escucharse un solo golpe entre todos Otro ejercicio que podemos hacer es incorporar otro instrumento de percusión que es una maraca. Para esto vamos a utilizar nuestra pista número 7 del disco 1 que es Ay Zandunga, esta canción del Istmo de la región de Oaxaca. Escuchemos. Un primer ejercicio consistiría en llevar el compás de tres cuartos acentuando solamente los dos últimos tiempos. Al igual que las claves, se tendrán que escuchar un ritmo muy claro y preciso. Otro ejercicio consistiría también en poder tocarlo de manera más rítmica, es decir... Obviamente esto requiere ya un manejo de la percusión, en este caso de la maraca, que obviamente el maestro podrá trabajar con los alumnos. Muy bien, esperamos que estos ejercicios les sean de utilidad y que los maestros seguramente tendrán la capacidad de decidir en qué momento poder adjudicar estos instrumentos, meterlos, hasta dónde, sin perder la esencia del cancionero que en este momento implica que solamente los niños canten, que incorporen el canto en su vida diaria y de esta manera no perder la esencia del cancionero. Los invitamos a que vean la siguiente actividad. Mencionen el nombre de la región cultural a la que pertenecen las siguientes canciones Ayzandunga, Canción Mixteca, La Bamba, La Martiniana, Un Rayito de Sol De esta manera hemos mostrado algunas sugerencias de lo que los maestros con experiencia en música pueden agregar y enriquecer al método A que la canción, ya que este puede ser un libro en constante movimiento y renovación. Ahora vayamos a la recapitulación. En la sesión de hoy hablamos de la diversidad musical como una manera de aprendizaje y de entender nuestro actual entorno sonoro vimos lo que es el género, el estilo y la agrupación como formas de clasificación Trabajamos algunos géneros y estilos de la música tradicional y popular Sobre todo los que están presentes en el método Y los estándares y rupturas Finalmente abordamos algunas sugerencias de lo que pueden hacer los maestros Que ya tienen una preparación musical previa Con las pistas del método A que la canción Esperamos que este programa haya sido de su interés y que les ayude a entender de mejor manera el contenido, descripción y los objetivos del método A que la canción. Hasta la próxima y no olviden hacer su tarea en casa. Gracias. Escucha los discos de A que la canción e identifica los géneros musicales. Realiza un listado de los mismos. Hasta la próxima. Más. ¡Suscríbete al canal!