TRANSCRIPCION

imagen, más leve ha de ser la materia que la sustenta. En este programa dedicado al silencio de la imagen, la obra de Francisco Castro Leñero, Irma Palacios, Miguel Castro Leñero y Susana Sierra nos ofrecen un punto de referencia invaluable para observar cuáles son, cómo son estas relaciones entre imagen y materia. Francisco Castro Leñero está plenamente consciente de la ecuación que se establece entre imagen y medios. Es por ello que en su obra podemos ver la representación reducida casi a su mínima expresión en la medida en que los materiales y los medios cobran una importancia primordial. Sí, yo creo que el proyecto del arte moderno fue precisamente poder llegar a la esencia de lo que era la cultura, desaparecer la música primero y después desaparecer la documentación. para ir buscando lo que era la esencia de la cultura, llegar a la conclusión de que la esencia de la cultura era color sobre una superficie, y al llegar a esta esencia, lo que se está creando ya no es una representación, sino una realidad, es un objeto, un objeto plástico, un objeto que tiene color que no representa algo, sino que es en sí mismo. Yo creo que esta es la búsqueda de la modernidad, que es de la mejor herencia, digamos, de la búsqueda de un lenguaje y del que sí me siento de alguna manera influido, conectado o relacionado. Francisco Castro Leñero es un pintor que siempre se ha interesado en la materia en el más amplio sentido del término. Una obra impermeable a la verbalización, orgullosa y obstinadamente segura de sí misma en su calidad de pintura pura, que consiente en su seno todo tipo de impurezas, pero impurezas pictóricas, pura pintura. Uno imagina también a partir de sus propios materiales. Les digo a mis alumnos en la escuela, saquen sus trapos, sus tintas, sus pinceles, sus brochas, sus trapos. O sea, si tienen todo afuera, pueden imaginarse qué hacer. Si va a ser un lápiz ahí, pues va a ser muy difícil que se imaginen, y ahorita voy a echar una mancha y voy a hacer... ¿Cómo se van a imaginar? Es como que tener la conciencia de material, como que te permite también evolucionar. La obra de Francisco Castro Leñero aborda una serie de reflexiones esenciales sobre la relación que en la obra y en la vida guardan la estructura y la libertad. Por esta sola razón, su contenido remite a una seria reflexión política. Yo creo que si pudiera tener una lectura política, tal vez se referiría a un poco a esta, Podríamos decir como presencia obsesiva, digamos, de las estructuras a la vez de la invasión continua de esas estructuras por lo informal, por lo accidental. Para mí la estructura es como un signo, es decir, un anhelo de tratar de entender, de darle orden a la realidad. La primera impresión de un arte netamente abstracto va cediendo a las consideraciones que la representación conlleva. Pero lo representado tiene una naturaleza propia. Estas obras celebran y glosan el proceso de la pintura. la lenta acumulación que aspira a decantar una imagen y un espacio, que brotan del interior del artista y no del estímulo o el discurso externo. Yo creo que mi pintura siempre tiene esta manera un poco natural de ir desgastando una superficie o ir encimando elementos rígidos, pero que en realidad están puestos por casualidad. Digamos como que el hecho de que, por ejemplo, y el cuadrado que está haciendo, es porque, pues, ahí está el cuadrado, ¿no? No es porque sea una intención, digamos, geométrica de mi cuarto, en una situación donde se aparecen, no sé, es como podrían haber aparecido manzanas en esta situación. Es precisamente la fuerza de esta convicción y las dificultades que implica llevarla a cabo, lo que convierte al arte de Francisco Castro Leñero en una obra comprometida no sólo con sus propósitos estéticos, sino con todos los órdenes de la realidad. Se van planteando con una lógica, yo creo que se le ha enseñado como un poco la observación o la convivencia, digamos, con una realidad cotidiana que nosotros mismos construimos. Es quizá por esta razón que sus piezas, cada vez más, parecen desbordarse reclamar un espacio en este mundo y al mismo tiempo rescatarlo. Porque este desbordamiento tiene un efecto purificador sobre el espacio y la mirada. Hay en el silencio de las imágenes de Irma Palacio una verdadera declaración de principios, una intensa y apasionada relación con la naturaleza. Hay en su gusto impecable por los materiales una serena reflexión acerca del balance delicadísimo entre representación y materia. Yo siempre he creído que al ser humano, desde pequeño ya te determina ciertos gustos por cosas. Por ejemplo, yo nací en un pueblo en donde hay ríos, donde hay plantas, donde todo eso yo creo se va impregnando y va seleccionando preferencias formales en la vida. Y eso te determina mucho. Podría decirse que en cada pieza de Irma Palacios late la fuerza de la tierra, la corteza de nuestro sustento, más allá de consideraciones filosóficas o morales. Me interesa la tierra en todos sus estados, porque el ismio, por ejemplo. el fuego, me crece el fuego a raíz de él. Porque es una parte de la tierra, es otro estado diferente a la tierra, pero al final es la tierra como los minerales y como las piedras. Me atrae mucho eso, eso es una cosa que nací así, yo creo. Me gusta mucho. Veo unas montañas y quiero volar para encima tocarlas. El impulso de la poesía dramática se anuda con las fuerzas teréuticas. Allí está el mundo de los animales en continua transformación, pero también el mundo vegetal con sus vides y hiedras entreveradas. La naturaleza de alguna manera la utilizo por las formas. Cómo hago las formas es diferente, porque igual puede parecer algo de la naturaleza sin que sea precisamente. sino yo utilizo eso como mi lenguaje para decir cosas. Que igual es como de eso, de la naturaleza y del mismo arte conceptual. Me alimento de eso yo. Irma Palacios ha utilizado la cera con técnicas muy diversas. En sus piezas puede sentirse un elemento fluido, fuerte, un corazón tibio. La generosa actividad que caracteriza a las abejas. La cera me interesa ya desde el olor, ya desde el proceso de dónde viene, cómo se adquiere la cera. Para mí es una cosa como muy, muy religiosa. Me lleva a la religión, independientemente de la técnica de la cera, que me gusta. Si yo hago una pintura normal mía y le empiezo a dar unas transparencias de cera, se va como la forma o el mismo cuadro se va alejando más. y entonces adquieren otra dimensión porque hay una capa de cera transparente que lo hace sentir como si tuviera un cristal, pero es una acera que para mí es sensualidad, para mí es misterio, religión. Fondo y forma, lo mismo se distinguen que se funden. son una danza que mucho recuerda los paisajes reconcentrados que se pueden observar al microscopio en un laboratorio. Solo que el laboratorio de Irma Falacio es su propia sensibilidad. Sus manos son sus instrumentos de medición. Su matraz es la tradición del arte abstracto. Su materia, los pigmentos coloridos y su crisol templado, la retina. Yo no puedo separar realmente lo que hago de mi vida cotidiana ni nada. Yo pienso que el arte y la vida están tan unidos, pero no solo para los que hacen, sino en general. Para el ser humano. Yo no consigo algo que no pueda disfrutar de una sinfonía o de la pintura o de ver la naturaleza. Esa es una manera de sentir el arte, de traer la naturaleza. Acerquémonos a estos trabajos de Irma Palacios, como aquellos malayos que encontraron una enorme flor roja, se reunieron alrededor de ella y extendieron sus brazos para calentarse así sea en medio de los tiempos oscuros que nos ha tocado vivir No es extraño encontrar en la obra de Miguel Castro Leñero referencias directas o indirectas a la pintura de los niños, los menores, en el Tinder, antes incluso de ir a la escuela. Picasso decía que él podía dibujar como Rafael a los 11, 12, 13, 14 años, pero que le había llevado una vida aprender a dibujar como niño. Miguel Castro Liñero podría argumentar algo semefante. así somos los humanos yo creo los humanos somos tremendamente complejos y llegar a lo simple es tremendamente complicado porque implica un entendimiento a mí me gusta pensar que soy una especie de ecologista de la imagen es decir, yo no construyo nada nuevo sino más bien como recupero cosas ya existentes. Y en ese sentido es más bien la idea de elegir, la idea de recuperar cosas que para mí son fundamentales, pero tiene un sentido poético. El mundo sensible de Miguel Castro Leñero es tan visual como táctil. Los objetos y los seres representados cobran cuerpo en virtud de su propia textura. Son su propia luz. La materia misma con la que están plasmados en la tela es la llama que los anima. Cada presencia confirma aquí la fe en un orden natural, simple y terreno. Yo creo que es ver de una manera poética, es decir, encontrarle un significado nuevo a algo que aparentemente no tiene significado, digamos, que no tiene un significado importante. Es por poner el ejemplo, a lo mejor Van Gogh supo ver en sus zapatos viejos algo importante. Para mí como que es una mirada creativa. Es decir, cualquier artista o cualquier ser humano tiene esa capacidad poética de ver belleza donde no todos la ven. Para mí como que ese es un poco el sentido del arte, como de usar de nuevo significado a la realidad. Las imágenes que han servido como punto de partida para las creaciones de este pintor provienen de un universo, entre comillas, no artístico. Imágenes que no han sido concebidas en un principio como, otra vez, entre comillas, obras de arte, por más que nuestra sensibilidad las asimile ahora como tales. Concretamente parto de imágenes que generalmente están en la calle, por supuesto es una imagen muy interesante que tiene muchas posibilidades o la del radiador digamos es una imagen que podría dar para una exposición y de hecho en algún momento la quiero hacer simplemente esta imagen para tomarlas, para asegurar entenderla Las obras de Miguel Castro Leñero se refieren directamente al mundo plano de las imágenes que atraen su curiosidad y captan hipnóticamente su atención. Tal vez a esto se deba, en parte, el carácter hierático de casi todas sus figuras. Me interesa mucho la idea del símbolo, del signo, del ideograma. Porque es un resumen. Por ejemplo, ahorita estoy trabajando sobre una idea muy sencilla, es la imagen de la casa. Con esta imagen estoy partiendo para crear todo un discurso o una historia, digamos, aquí. Uno de los pasos que estoy haciendo. En un cierto sentido es una imagen muy simple. En otro sentido es una imagen muy compleja, porque tiene implicaciones muy complejas en la imagen de la casa. Entonces a mí me gusta mucho jugar con esas ideas o esas paradojas, de hacerme entender poéticamente el significado de la casa, qué representa para mí, qué posibilidades tengo para crear algo interesante. Siento que crear formas sencillas y simples es una manera muy poderosa de llamar la atención o de contraponerse a un mundo lleno de imágenes. Es como un contrapeso. Miguel Castro Leñero nos presenta estas imágenes del mundo de las dos dimensiones con una textura tan rica que irremediablemente nos remite al mundo tridimensional, pero de un modo inusual, sin perspectiva, sin sombras. El pintor construye y puebla lentamente la tierra de su predilección, allí donde se manifiestan los seres que nos rodean, los prodigios de todos los días. La materia de la pintura como celebración gozosa de los misterios cotidianos. La pintura de Susana Sierra es una pintura que por muchas razones se ha abocado desde un principio al silencio silencio como punto de partida en la inspiración de la pintora silencio de la meditación frente a la tela en blanco y un texto oculto indescifrable una canción cantada en silencio pero silencio también del espectador que se enfrenta a estas obras donde la anécdota ha quedado reducida prácticamente a nada. Cuando empiezo a manchar la tela es como un momento en que la mente se silencia. Entonces yo siento que mi pintura está compuesta por momentos sucesivos de espontaneidad. Entonces estos momentos que son precisamente cuando la mente racional no está interviniendo es cuando siento que la pintura es viva. Porque la fuente de esa pintura surge de algo mucho más profundo que el puro raciocinio. Los trazos de Susana Sierra vuelan por todas las zonas del cuadro y en todas las direcciones. Parecieran preguntarse ¿cuál es la fuente? ¿De dónde vienen estas formas y estos colores? ¿Este ritmo? ¿De dónde viene esta necesidad de pintar? La respuesta está allí mismo, encerrada en esos rectángulos de materia prima, transfigurada por la potencia de la visión de un artista. Materia sobre la que muchas veces se plasma una misteriosa caligrafía del silencio. Pues estos símbolos que surgían en las obras, en las cinturas mismas y en unas lajas de pizarra, intervenidas, también empezaron a surgir. En realidad, pues puedo pensar que el origen que tienen, de alguna manera, yo tengo un gusto desde hace muchos años muy especial por la estética oriental por la estética japonesa, estudié 15 años ceremonia de té y pues hago las prácticas de meditación entonces pues claro, yo me imagino que hay una relación con eso, por ese gusto y más allá de eso pues no sé, de repente un día estaba dibujando y me empezaron a salir y pues surgen de adentro la verdad no sé exactamente cuál es la fuente exacta Lo que en esta pintura es real es la visión. El resto es forma y color. Lo que es real es el proceso de transformación. Está allí, a la vista de todo, para ser recreado y compartido. El resto es estilo. Pero es precisamente de lo que resta que podemos reconstruir con nuestra comprensión, con la mirada, esa danza que Susana Sierra ha trasladado a la superficie de sus telas. Me gusta pintar cuadros muy grandes. Mis cuadros jamás los pinto sobre un caballete, por supuesto, sino que los acuesto, los paro, los chorreo, les echo agua. Entonces, mi cuerpo está avanzando todo el tiempo. puedo hacer algún tipo de caligrafías, que realmente todo el brazo se mueve y todo el cuerpo también. Entonces sí creo que estoy muy relacionada y por lo tanto con la música también. Porque estando con mano maestra, lo mismo una serie de técnicas, de materiales y accidentes dirigidos, los cuadros de Susana Sierra poseen un fuerte carácter musical. Hay música y danza y canto en estas obras. Se les puede escuchar y sentir detrás de las formas visibles como un oleaje que no termina. Un flujo que obedece a su propio ritmo y conserva el eco de esa fuente original. Legaria íntima, raíz de la visión. Bueno, la libertad es fundamental. Si no hay libertad, pues no puede haber arte. Es imposible, ¿no? Es que al momento de estar ejerciendo tu libertad, aunque sea en un cuadrito de este tamaño, metida en un cuartito, lo que sea, estás realizando tu libertad, ejerciendo tu libertad. Cada trazo se ha elevado por un momento de ese flujo incesante para caer en la superficie de la tela y dejar allí su marca indeleble. Para volver al manantial del ojo y reintegrarse en la lluvia paciente de los trazos. al ciclo sin límites, pero finito, de la creación.