TRANSCRIPCION

El escultor norteamericano Dave Smith dijo alguna vez que la escultura es una afirmación poética de la forma. En este programa veremos el trabajo escultórico de cuatro artistas mexicanos contemporáneos, Paul Nevin, Jesús Mayagoitia, Fernando González Gortázar y Marina Láscari. Cada uno de ellos, a su manera, nos da testimonio de esta manera poética de afirmarse en el mundo mediante la forma. Paul Nevin es un escultor que si bien nació en Francia ha vivido y desarrollado su obra en México por una predilección personal por una inclinación que sin duda mucho tiene que ver con la formidable tradición del México antiguo. La pureza de sus formas, la economía de sus medios, nos hacen ver por qué la escultura es, como quería Brancursi, un arte que no es propio de jóvenes. Desde antes de llegar a México, yo tuve mucha relación con la escultura precolombina. Yo estudié, mi tesis fue sobre el arte precolombino. Yo quería ver las cosas reales, no quería ver las cosas en fotos, como las podemos ver en libros. Necesitaba tener un sentido de la escala, poder caminar y ver cosas. Por eso, eso fue una de las razones que vine a México. Una escultura es al mismo tiempo que una reflexión acerca del mundo, una parte, un ser que habita en el mundo y que comparte con nosotros un mismo espacio. Para mí, cada escultura contiene una historia. Esta, por ejemplo, tiene que ver con... Una vez que mis papás me llevaron a visitar los jardines de un monasterio, no se podía visitar los jardines muy bonitos, lo que tú quieras. Yo quería meterme a ver cómo los iniciados vivían. Entonces aquí están los jardín y el monasterio está en medias porque no puedo verlo. Esta es la parte arquitectónica. Y esto para mí es una cosa de frustración. Al mismo tiempo que generalmente hasta ahorita he trabajado muchas esculturas así con una parte que encierra otra parte. Y esta es de las primeras donde lo encerrado está empezando a salir. que está soltando y liberando de la estructura, que en cierta forma simboliza la relación con la tierra, la estabilidad. El paisaje volcánico de los hornos, las forjas y el mundo negro y prohibido de los herreros forma parte también de la realidad de casi todos los escultores, en la medida en que casi todos sucumben a la tentación de trabajar con el hierro, el bronce o el acero. La carga emotiva es lo más importante. Como te decía, el metal es una cosa muy resistente. Si la emoción inicial no es lo suficientemente fuerte, entonces el tiempo que tienes que sostener esa emoción, que es una cosa muy intangible, muy efímera, Si la emoción no es lo bastante fuerte, no se hace la escultura. Cada una de estas esculturas, con su sólida presencia, su variedad de formas y sus diversas maneras de asumir y entender el oficio, la técnica y la tradición de la escultura, es un llamado a disfrutar de la vida. No puedo ser puro intelectual. A mí yo necesito sudar, cortarme, cansarme. Un día de trabajo completo es cuando físicamente estoy cansado y mentalmente estoy cansado. No decido, bueno, mañana voy a hacer esta pieza. Las emociones están llenas, la olla está, las emociones brincan. Yo creo que el arte, el arte tiene que ser de cierta forma un receptáculo, un receptáculo donde la olla o el jarón es el artista y lo que está dentro, o las gentes que ponen cosas dentro es el espectador. Entonces ahí está la mancuerno del ajo. Las esculturas de Jesús Mayagoytia exigen del espectador un verdadero viaje para poder ser apreciadas en todas sus dimensiones. Cada uno de sus ángulos nos ofrece una obra de arte distinta Casi podríamos decir que vemos diferentes piezas Dependiendo de la manera en la que nos aproximamos El ángulo de visión, la luz que incide en las esculturas La intención con que las vemos El espacio tridimensional que las esculturas comparten con nosotros y con todos los demás seres corpóreos, a diferencia del espacio dado y más bien cerrado de la pintura, aparece ante nuestros ojos como en continua transformación. Y es que, de hecho, el espacio está todo el tiempo en continua transformación. Mi propuesta es que la obra tiene una lectura de 360 grados. En este momento, el espectador tiene un punto de vista inicial con el cual trato de atraparlo y después el espectador, con su lento desplazamiento, va transformándola. Hay esculturas como la torre de satélite, como la señal de Ángela Gurría, que está en la ruta de la amistad. También la de Takahashi, son unas cifras seccionadas, son esculturas que están hechas para ser vistas a la velocidad del automóvil. Es decir, en este caso los espectadores son espectadores automovilistas. La obra de Jesús Mayagoitia, caracterizada por esculturas en acero, casi siempre pintado, se inscribe dentro del estilo que ha dado en llamarse abstracción geométrica y que cuenta en México con excelentes representantes. Baste pensar, por ejemplo, en las esculturas de Vicente Rojo. El dibujo publicitario me parecía demasiado asfixiante. Yo estudié esta carrera inicialmente porque me permitía hacer algo que tuviera que ver con el dibujo. Pero fue cuando conocí a Ernesto Leffel, un excelente diseñador, que me dijo que en realidad si yo quería ser un buen diseñador, tenía que manejar la geometría pero en tres dimensiones. Esto fue lo que me hizo cambiar de carrera, me cambio a artes visuales y empiezo a trabajar la geometría en tres dimensiones. Había gente que me decía en la escuela que lo que yo estaba haciendo no era diseño, era escultura. Fue el estar realmente dentro de escultura a lo largo de los años que me hizo ver otras expresiones. Después de algún tiempo ya que estoy trabajando escultura, conozco arquitectos, y esto también me hizo completar mi percepción respecto de la geometría. Y bueno, también me ha gustado mucho el diseño industrial. Concluí que todo lo que tuviera que ver con la geometría y todo lo que venga a ver con lo tridimensional era muy importante para mi desarrollo como profesional. Sus piezas plantean al espectador un doble juego. Por una parte, el rigor y la calidad de su trabajo se imponen como un orden muy bien establecido, hierático, inamovible. Por otra parte, hay en las creaciones de Mayagoitia un sentido lúdico que se manifiesta muy claramente al espectador conforme se acerca o se aleja, o bien cuando éste se desplaza en torno a la obra. No es casual que las obras de Mayagoytia, con su sintaxis bien definida, se nos revelen siempre distintas. Lo que cuenta es la unidad, la totalidad. Es decir, la escultura modular tiene un límite en la cantidad de elementos. Eso lo decido a la hora de estar creando, conformando la obra. pero sí es muy importante saber cuándo detenerte en el proceso creativo y en este caso puedo decir que las caras interiores son tan importantes como las exteriores. Si la escultura estuviera totalmente cerrada, las caras interiores no tenían ningún valor. Es debido a la aguda inteligencia espacial que expresan estas piezas que Raquel Tibó las ha llamado una reflexión estética en torno a la pureza. Formas tridimensionales cuya finalidad es una pureza no simulada ni alegorizada, sino presentada de manera concreta para que la mirada desate el vuelo poético. Resulta muy difícil circunscribir a una sola dimensión el trabajo de un artista como Fernando González Gortázar. de pintura, de escultura, grabado, dibujo, pintura, diseño, se amalgaman a un trabajo teórico, de escritura, de un hombre que no ha desdeñado la polémica y que ha manifestado siempre una enorme pasión por los temas de la ecología y el rescate de la vida urbana en nuestro país. Yo pienso que uno tiene un solo empeño, que es justamente el de mantenerse vivo, actuante y bien. De tal manera que mi arquitectura, mi escultura, mi escritura, mi labor de jardinería, que para mí es fundamental, mis lecturas, el escuchar música, el ver a los amigos, todo lo que tú quieras añadir, no es más que ese único y mismo. Todo se comunica con todo, todo se enriquece entre sí. Ha habido quien piensa que mi escultura es como la vanguardia de mi arquitectura y hay quienes piensan exactamente lo contrario. Yo lo único que sé es que estos vasos comunicantes funcionan y funcionan muy bien. González Gortázar ha dicho que lo específicamente artístico, sea esto lo que sea, siempre reside en algo que está más allá de la obra misma, que antecede a las formas. El concepto, el sueño, toda esa nebulosa gigantesca, imposible de precisar, son el sustento del trabajo. Y no hay nada más natural, por tanto, que en una persona como yo, que se ha pasado la vida observando la naturaleza, que se ha pasado la vida observando el arte popular o las culturas populares, que se ha pasado la vida leyendo ciertas cosas o extasiado ante ciertas cosas, aparezca todo aquello, transfigurado, pasado a través del filtro que se ha ocurrido. Es decir, ya no se trata de aquello, sino de la manera como yo fui capaz de hacerlo mejor. Para González Gortázar, el concepto, el sueño, materializados por la intuición y el trabajo artísticos, han movilizado en la obra una gran cantidad de aspectos simbólicos que, atendiendo a la naturaleza de sus orígenes, conviven en estrecha tensión con su realidad material. Yo creo que una de las mayores tareas de la arquitectura y de la escultura pública de la escultura urbana es la de levantar símbolos. Símbolos con los cuales todos podamos identificarnos. Símbolos que de alguna manera construyan la ciudad de todos. El simbolismo de estas esculturas es aquel de los símbolos vivos. Se trata pues de un simbolismo útil que invita a ser usado gracias a sus condiciones materiales y estéticas. Un simbolismo que, por otra parte, también sabe guardar, por necesidad, sus misterios. Hay una anécdota que me gusta mucho de Luis Barragán. Cuando estaba construyendo el fraccionamiento Los Clubes, por ahí, junto al ingreso, había un arbolito. Y Barragán dijo, le voy a hacer un muro a la sombra de este árbol. Y efectivamente construyó un muro bellísimo que al caer la tarde se imprimía con la sombra que proyectaba el árbol. Esto era lo que hacía que ese árbol dejara de ser un árbol y pasara a ser parte de una creación artística. La gran maestra, la gran lección sigue siendo la naturaleza. Es la fuente de toda estética y de toda moral artística. Las esculturas de Fernando González Gortázar parecieran invitarnos a poner en juego no solo nuestra relación con el espacio exterior, sino con aquel que nos habita y que muchas veces desconocemos. La escultora Marina Láscaris, de origen griego y avecinada en México, ha encontrado en este contrapunto de dos tradiciones radicalmente distintas, un terreno propicio para desarrollar su obra, un trabajo escultórico que lo mismo se fascina, con la gravedad y con las posibilidades de la ingravidez. las plumas y el metal se encuentran en sus manos en su visión la manera de ofrecernos un exquisito contrapunto balanceado en cada una de sus obras he vivido aquí más aquí que en Grecia siento que las dos influencias son muy fuertes o sea no sé si una es más fuerte que la otra como que paso de una a la otra o las dos están al mismo tiempo en mi obra. Y cuando llegué a México me costó mucho trabajo entender todo el arte prehispánico. O sea, me parecía pesado, no sé, como que casi me daba miedo. Me interesaba, pero no me gustaba. Y poco a poco se me fue metiendo y no empecé a entender más. Y me ha influenciado mucho. Una parte de la escultura moderna pide ser leída en términos puramente formales. La otra parte ofrece un interés formal muy reducido y afecta al espectador en términos de las asociaciones que provocan. Son ideas básicas que los artistas por su sensibilidad tienen y tratan de exteriorizar. Entonces, igual que en los pueblos arcaicos tenían toda su mitología y es la que pintaban o escultían, también nosotros hoy en día son ideas que están en todas partes, que todos sentimos, porque todos tenemos las mismas sensibilidades, las mismas necesidades, y por eso nuestras ideas pueden comunicarse y interesar a un público mayor. La escultura de Marina Láscaris nos ofrece, por una parte, la posibilidad de apreciarla por sus valores plásticos, por la destreza con la que ha sido realizada o por su belleza formal. Por otra parte, se trata de una obra que brinda la posibilidad de establecer una complicidad inmediata en términos emocionales y afectivos, tal vez debido a las claras reminiscencias que nos ofrece del mundo de la naturaleza. Todo está en la naturaleza, o sea, a tal punto que a veces cuando veo una cosa muy extraordinaria en la naturaleza, quiero correr a mi taller a reproducirla o ser inspirada por ella. Otras veces me bloquea completamente, digo, es tan extraordinario lo que estoy viendo, que para qué me canso en hacer algo que seguramente será menos bueno. Yo no soy una persona muy deliciosa, pero sí siento mucho la espiritualidad en todo, y mucho justamente en la naturaleza. ¿Qué puede haber más básico, más sano, más inmediato que el propio cuerpo? Porque no nos queda más remedio que aceptar que no tenemos otro punto de partida que el cuerpo, ni tenemos tampoco otro lugar a donde volver. La escultura lo sabe, lo toca, lo siente. Cuando quiero sentirme muy, muy libre y hacer realmente lo que quiero, uso un material de poco significado, como puede ser la plastilina o la cera. Pero cuando trabajo con un material existente, cuando estoy tallando, o en lugar de modelar cuando estoy tallando uso un material que existe que puede ser el mármol o cualquier otra piedra o la madera esos materiales existen los respeto mucho que no los quiero cambiar mucho porque ellos mismos tienen ya una forma y yo me plazo más bien a la forma del material en este caso por respeto a él y por lo bonito que es El llamado de Marina Láscaris a regresar a la naturaleza se suma al de muchos artistas contemporáneos y modernos. En sus esculturas podemos respirar lo que ella misma denomina un desierto interior, reflejo de ese otro desierto que se ensancha en el corazón del hombre actual. No obstante, la sutileza, la sinceridad de sus formas también nos remiten a esa religiosidad arcaica de la que hablaba Eliade y que no es sino la voluntad de un retorno a los orígenes. Durante un año hacía las plumas y las alas, estando un poco perdidas, no sabiendo por qué las hacían. Y así son las ideas cuando yo empiezo con un nuevo tema. Son como átomos dando vueltas y vueltas y vueltas y de repente como que se prende un foco y todas esas cosas que estaban flotando de repente empiezan a tomar un sentido. Estuve muy deprimida con todos los eventos de este otoño y de repente me di cuenta que estaba trabajando sobre la libertad, el escape. Todos mis vuelos empezaron a tener un sentido, buscar algo nuevo, como de hacer un viaje, un sueño, una búsqueda a algo diferente. A lo mejor a dónde van los pájaros. y ahí voy todavía con ese reto todavía no sé muy bien dónde voy pero ahí voy con mis alas Продолжение следует... .