TRANSCRIPCION

Miguel Ángel Alamilla Es un pintor que ha vivido toda su vida en el corazón de la Ciudad de México. Trabajador incansable, lo mismo construye en sus lienzos realidades que no pone en tela de juicio a la hora de destruirlas, de desconstruirlas, sino para provocar una nueva reacción, una nueva reacción en cadena podríamos decir. y completar una obra donde los grises llevan la voz cantante. En principio yo soy un pintor abstracto, me interesa la geometría y la abstracción, entonces es muy fácil que exista una relación con la ciudad y sus paisajes, sus ámbitos, sus formas. Me interesa la geometría, que nace de tirar líneas sobre el plano, sobre el papel o sobre la tela. Ya sobre esa especie como de arquitectura es cuando pinto, pinto encima de ella. y entonces empieza una batalla de formas y de composiciones que son únicamente integradas por el color se integran gracias al color que va armonizando o va integrando la pintura el color para mí tiene únicamente esa importancia trabajo siempre con medios tonos, con grises utilizo el negro incluso como color y el blanco también pero también el blanco es luz me gusta mucho pensar en medidas de la luz en mis cuadros porque acentúan armonizan y sobre todo son centro de atención para una composición El centro, sin embargo, se hace ubicuo en el espacio. Las orillas, para efectos de la composición, son tan importantes como el centro. Como dice John Cage, cada punto de la tela puede ser un punto de partida o intermedio o final de la observación. El trazo que sostiene cada cuadro y del cual el pintor parte en busca del espacio perdido es trastocado, reformulado en color y textura para dar origen a nuevos procesos de formación y deformación, afirmación y negación. Construyo, desconstruyo, vuelvo a construir. En fin, obedezco ciertas reglas que la pintura misma me va poniendo para lograr una eficaz armonía o algo que me parece personalmente una armonía. Algo que se me propone y entonces yo decido que así sea, pero en realidad es una batalla, es un juego entre componer y descomponer. El color es lo único que armoniza o que articula las posibilidades de la composición. Todo lo demás es desorden. Los materiales están hablando de este proceso y nos subrayan su dinamismo. Más allá del formato, la urdimbre crece sustantivamente porque llama al ensamble, al entrecruzamiento, la juxtaposición, pero su crecimiento también es interior. Para mí es muy importante creer firmemente en la intuición, creer en lo que pudiera ser posible. Eso alimenta la intención de sacar el cuadro adelante. Todo queda superado en el proceso de estar pintando. La pintura se desborda de sus límites, me propone nuevas cosas y se convierte en pura pintura. Es decir, mi mayor intención en el momento de estar pintando es pintar. Con frecuencia, el propio Alamilla ha bautizado sus visiones como paisajes, a pesar de su decidida vocación abstracta. Todo lugar donde se construye tiene un horizonte o tiene una base y eso produce la sensación de un paisaje. Aunque luego se pierda, aunque la pintura se desborde, parte de un principio que es la idea de un paisaje. Paisajes de una naturaleza rotundamente distinta a los que pintaron los impresionistas o cualquier otro movimiento precedente. Paisajes interiores totalmente exteriorizados en la materia pictórica. Paisajes sin horizonte reconocible, sin habitantes reconocibles, sin plantas, sin animales, sin un cielo dado. decía Picardo que un cuadro tiene éxito en la medida en que sus sucesivas destrucciones se acumulan hasta lograr algo inesperado Alberto Castro ha trabajado siempre con esta clase de fracaso en mente. Sus pinturas nos ofrecen un tema capital. La reflexión de los alcances de la imagen y dentro de la imagen una reflexión sobre los alcances del yo. El yo pintor, el yo representado, el yo implícito en cualquier imagen de un ser humano plasmada en una pelea. Alberto Castro Leñero es un artista que ha sabido transformar sus obsesiones personales en un testimonio que rebasa limpiamente el ámbito psicológico individual para cifrarse en una obra que habla a muchos y de alguna forma por muchos. Cuando empecé a pintar Cuando estaba más joven Empecé a trabajar con Un poco motivado por la obra De el pintor Francis Bacon Pues como que empecé a Tal vez como muy Influenciado por ese tipo de figuración Y luego pues Me influenciaron Pues muchos pintores Como en México Orozco Orozco para mí como un gran maestro en el estilo del especialismo, de la fuerza, de la imaginación, de la pintura. Uno empieza como muy fresco, haciendo lo que se percibe en ese momento. Y tal vez tiene uno mucha fuerza. La búsqueda de Alberto Castro Leñero se ha caracterizado por la fidelidad a estos impulsos primarios, así como por su sinceridad, al momento de escudriñar con ellos el intrincado laberinto de sus propias obsesiones. Un cuadro puede ser como, puedes buscar, digamos, como una expresión directa, digamos, casi una expresión animal en el cuadro, ¿no? Entonces, como que la obra se convierte como una especie de salto de lo animal a algo estético, ¿no? Pero es muy difícil como que tener como esa... Esa es el mismo, esa fuerza para aguantar esta carne. Yo he tratado que la obra tenga cierto... Cierto nivel como de verdad. Que yo mismo me la crea. Y tratar de comunicarle eso a la gente. Hacer una especie como de búsqueda en la pintura. Tratando de... De que haya una coherencia dentro de ese... planteamiento de formas y colores. Las cabezas de Alberto Castro Leñero piensan y hacen pensar, pero también se piensan sin pensarse. Son, pues, cabezas problemáticas en las que se puede sentir el aleteo desesperado de un yo. Estas imágenes pueden ser tan problemáticas que a veces nos parece que anhelan su ruina. traguan en el devenir de cada tela su propia desaparición. Yo trabajo de una forma intuitiva como tratando de evocar una imagen, no tanto tratando de dar una idea conceptual, poniéndole una situación como de evocación de una forma que no sé exactamente lo que quiere decir. Se trata de una pintura que dice no a la pintura, en busca de esa realidad que se esconde y se revela justamente a través de la pintura. Pero decir no a la pintura desde la pintura misma es plantear, desde luego, una interrogante sobre su significación, sobre sus códigos y convenciones, y también sobre sus formatos, soportes y materiales. Empecé a trabajar en formas romboidales. Hace diez años, doce años, algunas pinturas tenían la formación del rombo. Después traté de descomponer el rombo y darle cierta relación con las dimensiones humanas. como que las pinturas fueron las que tienen más volumen y de la pintura del volumen pasé al objeto que sería un siguiente paso, la escultura para hacer una escultura hay que pensar como escultura hay que pensar que es materia que no es una representación de algo, sino que es en sí algo porque es un objeto en un mundo real Estoy trabajando obras diferentes, a veces son obras muy diferentes, pero con la esperanza de que una vez pasada una cantidad considerable de tiempo, pueda haber una lectura en todas las obras, que se vayan como en la arzana. En la obra de Alberto Castro Leñero, el yo y sus posibles imágenes aparecen profundamente cuestionados. El peso de lo material gravita y concentra. Los cuerpos aparecen bien anclados, pero distantes. El gesto es elocuente, pero difuso. Un mundo que palpita entre la densa y a veces desgarradora realidad pictórica que lo desnuda, extrayéndole acaso su dramática verdad. Un elemento esencial para comprender el trabajo de Gabriel Macotela es el tiempo. El tiempo que está incorporado en sus obras como oxidaciones, como lentas pátinas, como una nostalgia de una realidad que fue, una ciudad que fue, un mundo que fue. En la obra de Gabriel Macotela, la capacidad constructiva convive con una gozosa y palpable aceptación de las habilidades y destrezas manuales. Yo creo que lo que hace uno es a partir de las limitaciones y defectos del lenguaje de uno. Y a partir de eso, de lo que está alrededor, ir haciendo cosas. Por otro lado, creo que una cosa profunda de cariño a los materiales a color, creo que todos los pintores, ¿no?, que hacemos este oficio. En la escala virtual de sus maquetas, el artista ha obtenido del desastre urbano una serie de espacios realistas que conviven con el espacio fantástico. Las construcciones dejan de ser espacios habitables para convertirse en otra cosa, en una metáfora paradójicamente bella de la sin razón de tantos proyectos humanos. Construcciones emprendidas con la clara conciencia del olvido y la inexorable oxidación. Me emociona la idea de imaginar el espacio habitado por alguien, ¿no? Como yo mismo viví ahorita en este lugar, ¿no? En este departamento. Imaginarte quién vivió aquí, quién amó, quiso, sufrió, murió. Toda la historia que hay atrás en una casa, ¿no? Y también un poco esta historia que todavía no la... Me rebasa y no la comprendo, de las grandes urbes. y de la expuesta modernidad y del tiempo, el detallido de las cosas, el abandono de las cosas. Las construcciones de Macotela nos muestran una absoluta falta de fe en las propuestas constructivas. Solo la sombra del tiempo, mellando las aristas, rollendo las esquinas, ennegreciendo los colores. Pero por otra parte, también son una generosa serie de composiciones en perfecto equilibrio. Una rica gama de colores y texturas, sabiamente matizadas. Hay que asomarse pues a estas torres, a estos castillos en el aire, a los palomares del sueño para ver lo que hay dentro, para ver lo que hay detrás de este enigmático juego de fuerzas. ¿Cómo no recordar ante estas obras el famoso verso mexica que nos dice, era nuestra herencia una red de agujeros? Una red de agujeros que Macotel ha sabido recrear de muy diversas maneras. A mí se me hace que la pintura siempre está construida de eso, de la influencia de todos los pintores con todos. Pero no nada más solamente de la pintura, sino de todo. de todas las artes y de la vida misma y de lo que fuera inclusive a veces no hacer nada y hay gente que olvida todo por estar siempre haciendo y se le olvida y no ve alrededor una serie de cosas por nada más la obsesión de estar haciendo en la obra de Gabriel Macotela las sombras brillan por su insistencia y nos brindan un sobrecogedor enigma agazapada entre líneas. Fragmentos de música celeste en medio del barullo infernal. Para mí es la reflexión silenciosa de una imagen y la contención de esa imagen. Y eso se me sigue haciendo maravillosamente poético. No solamente poético, sino esencial para vivir de alguna forma. La gente tendría que disfrutar de ese espacio libre, vacío un poco, y revalorar ese silencio visual que no lo hay en una ciudad como esta. El tiempo ha ido borrando las esquinas en la obra de Gabriel Macotela. Ganan terreno las curvas, los hilos sueltos, la pincelada ágil, el reino vegetal. La mano libre y las formas orgánicas se van imponiendo a las rectas de origen cristalino y la expresión de las fuerzas vitales va ganando la partida. Hay en la utilización de los materiales por parte de José Castro Leñero una clara vocación de pintor, pintor, a pesar de que la fuerza de sus imágenes nos hagan pensar lo contrario. No renuncia a utilizar la fotografía, a apoyarse en ella, pero nunca se detiene en ese punto ni se complace con un vano juego de apariencias. La obra de José Castro Leñero ha sido relacionada con todo aquello que en la pintura actual tiene que ver con el realismo. No obstante, lo que en ella está en juego y en pleno proceso es la realización y la desrealización de la imagen. Para empezar, yo creo que toda representación de la realidad es una abstracción. Tú estás cayendo de la realidad y estás haciendo otra realidad. En ese sentido como que ya es una abstracción. Imágenes que a lo largo de sumas y restas Superposiciones y sustracciones Construyen lenguajes enteramente propios Que van de la saturación y la complejidad barrocas Hasta una evocación apenas reconocible Y esencializada de la figura Tal vez soy un artista que es sensible a productos que trabajan con medios técnicos, como pueden ser fotógrafos o como puede ser toda la gente que hace arte digital y todo eso. Siento que es una parte que también, a la que soy sensible, ¿no? Yo creo que en el momento que tú inventas un sistema, que vaya de acuerdo totalmente a tus necesidades, es el momento en que la obra puede tener una posibilidad de irse personalizando, y de hacer una obra con influencias, pero que ya es una obra que depende de un proceso que solo tú conoces, como que has inventado y se lleva de acuerdo a su sensibilidad. En la obra de José Castro Liñero, los procesos tienen una parte protagónica, nos hablan desde la realidad de la imagen. Yo nunca he sido un pintor que trabajaba con mucha materia, como que me interesa mucho el registro, que deja la materia, no tanto la materia en sí. Poner la pintura, la quitas, como que todas esas impresiones que van quedando, va conformando como huellas, que va registrando el proceso de creación. Es un proceso como de distracción, yo creo. Pero nunca, me he sentido muy a gusto con lo matérico, más bien son como las impresiones, lo que prefiero. Los encuentros visuales que propone José Castro Leñero Se han ido sofisticando en el plano conceptual y son cada vez más ricos, sugerentes y ambiguos. Me empecé a hacer una obra con menos elementos. En este caso, por ejemplo, estoy trabajando con el rostro. Creo que la estructura del rostro tomó como un punto de partida para acercarme a intereses pictóricos de color. de forma, de discurso, por ejemplo, hacer que la pintura circulativa se toque con la pintura abstracta, como que trabajar un poco, es el concepto de una imagen muy cristal, en el sentido de que estoy trabajando con varios rostros, empalmando varios rostros hasta lograr algo que me satisfaga, pero la idea es de ser una imagen como muy cristal. Sus colores, por ejemplo, más que remitirnos a la naturaleza, se encuentran más cercanos a la producción industrial o al diseño y de esta forma nos dan cuenta clara de su origen y de su historia. Lo mismo pasa con la sutil densidad casi fotográfica, que adelgaza la materia pictórica y donde la imagen recupera su esencia luminosa. Advertimos en la pintura de José Castro Liñero Que hay ironía en las imágenes superpuestas Pero la intención al construirlas no es irónica No hay mensaje político abierto en su obra Pero el carácter de denuncia de muchas de sus imágenes es innegable No se trata de un arte religioso por más que las imágenes religiosas aparezcan con relativa frecuencia. Sin embargo, se puede advertir un sentimiento existencialista de desesperación, de angustia religiosa en muchos de sus cuadros. La obra de José Castro Leñero convoca a las imágenes para que las imágenes cuenten su propia historia. pero en esta historia está también una porción realizada del alma del artista es él quien ha permitido que cada imagen encuentre su forma de producirse es su convicción lo que nos hace saber que estas formas guardan un secreto un significado oculto que no siempre tenemos a la vista .