TRANSCRIPCION

Thank you. The End Música como género, como camino abierto, son prácticamente infinitas. Desde el collage de una sola pieza, los ready-made de Marcel Duchamp, y su secuela de objetos encontrados, hasta la práctica regeneradora del bricolage, tal como la definió Levi-Strauss. El collage abarca, de un modo u otro, toda la gama de las artes del siglo XIX. decía el maestro del collage surrealista Max Zemp que el collage es un instrumento supersensible y escrupulosamente exacto semejante a un sismógrafo que es capaz de medir las posibilidades que tiene un ser humano de ser feliz en cualquier momento pintora, escultora pero sobre todo constructora de objetos, ensambles colajes Perla Krauss ha conseguido a partir de la piedra el aluminio el plomo la cera, la resina y toda una serie de materiales, tanto naturales como creados por el hombre, una obra que destaca por su muy peculiar manera de articularse. ¿Por qué me llaman los materiales? No lo sé, pero sí me platican cosas y cada uno de manera distinta. Y a veces estoy lista para que me hable uno y a veces no. Hay ocasiones en las que recojo materiales que intuitivamente sé que me van a servir y que no los puedo usar en ese momento. Pero de todas maneras los tengo en el taller y los dejo hasta que llegue el momento de utilizarlos. En el trabajo de Perla Krause, los materiales parecieran conservar la energía de los procesos primarios de observación y búsqueda. Lo mismo sucede con los objetos, naturales o construidos, que se suman a la obra y que ahí conviven en una frontera entre lo racional y lo intuitivo, entre la abstracción y las formas originales. Todas las uniones, los amarres, son a propósito de tal manera. Tienen que ser resistentes, pero rudimentarios a la vida. Hay ocasiones en que me pregunto si no debería yo de hacer que se borren esas uniones, pero es todavía mucho más fuerte el deseo de que sí se hagan evidentes las culturas, el diferenciar una cosa de otra, aunque pueda parecer como que es un objeto en su totalidad, eso sí. Hay en estas obras un constante desplazamiento de temperaturas, tonos, volúmenes y texturas. La cercanía de elementos contradictorios mantiene una tensión que deliberadamente evaden la profusión del color y sus connotaciones. Recuerdo que en una época en Inglaterra, haciendo una maestría, me estaban preguntando por qué yo como mexicana no usaba color. Y yo recuerdo haberles dicho que para mí México no era nada más color, que era también blanco y negro, grises, y había una serie de imágenes que a mí no me hablan ningún color, para bien o para mal. Entonces, y son imágenes que siento mucho más fuertes. Como que hay un paso muy frágil de que el color no te lleve a algo decorativo y que pierda fuerza. entonces yo siento que muchas veces el color te lleva a perder fuerza en una pieza. Cada elemento y cada material tiene su color, por decir algo la cera, estoy utilizando, hay cera blanca y hay cera amarilla de abeja y me encanta que sea amarilla, la uso de hecho amarilla porque tiene ese color, Y la piedra también la escojo por los diferentes colores que tiene y calidades. Es más, con la resina ahora sí me he dado el lujo de usar rosa y azul. Pero porque lo siento más artificial. Como en toda obra que medita y se desarrolla en estrecho diálogo con sus materiales, En el trabajo de Perla Krause se percibe una sutil reflexión sobre el tiempo y sus efectos. Por eso las huellas, las marcas, las señales figuradas o reales. Cuando una rama o flor la hago de aluminio, en esto sí no se hace un molde. Esta es la rosa que se conservó, que se secó, que se llevó al fundidor y después se quema y las cenizas y el espacio que vuelve a la cera perdida es donde entra el metal líquido. Entonces se convierte en una pieza única que es como los restos, como lo que quedó, pero permanente de aquella rosa o de aquella rama o lo que fuera. En la naturaleza una varita seca es tan bella o tan impresionante, como las estrellas. Eso decía Hans Arp, y por lo que respecta a la naturaleza del arte, se podría decir que toda forma es el molde de otra forma, la misma y siempre distinta. Supongo que a mí me llama muchísimo más la atención lo real que el pretender quizá hacer el dibujo de la raíz, aunque la pintura lo incluyo por momentos, pero supongo que lo real del material me es más fuerte. La obra de Perla Krause, fincada en una realidad objetiva e inobjetable, es también una invitación al ideal del equilibrio y al enigmático sueño de la materia. La obra que Boris Vizkin ha desarrollado a lo largo de dos décadas es un verdadero diálogo entre la pintura y la fotografía. entre Europa, América y Medio Oriente. Una conversación entre la materia y la imagen, hasta llegar a un acuerdo entre lo visible y lo visible, entre la obra y el espectador. Creo que el colache es algo que se da mucho en los niños del planeta, esta cosa de apropiarte de cosas e incluirlas a tu mundo que yo creo la base de cualquier collage siempre el collage ha estado presente ha sido en la época figurativa quizás más abstracta siempre el elemento de tomar otro material fuera del óleo y la tela o el lápiz tradicionales, siempre ha sido una cosa constante. La inclusión de elementos extra pictóricos en la obra de Boris Biskim aumenta la complejidad de sus enlaces y expresa una voluntad de constante crecimiento. Cuando han habido series o épocas de collage, empieza quizás con algún cuadro que intentas todo y no cuajas recurres a una imagen una madera, un cacho de algo que está en tu entorno y lo integras y para mí siempre ha tenido esta cosa que existe en mi cabeza y en mi mundo de alguna manera encontrar un balance y te digo, generar este balance entre el objeto extraño a la pintura, con la pintura ya sea una imagen fotográfica un objeto con lo tradicional o con ese mundo que para algunos es muy sagrado de la pintura a mí me remite a estos espacios contradictorios míos y que te obligan siempre a buscar convivencia. Con distintos grados de relevancia, en la obra de Boris Biskim se da un enfrentamiento entre materia e imagen, entre las fuerzas racionales de la composición y el ámbito más emocional del color y el motivo. Nunca fui un pintor muy colorista, ¿no? Y siempre, digo, a pesar de que puede empezar con muchos elementos y muchos colores un cuadro, el proceso como que se encamina hacia ir controlando, hacia ir descartando, unificando, y lleva a que el resultado final, por lo general, sea algo más sintético y de pocos elementos, pocos colores. El colorido de sus obras resulta más sintético que simple, más profundo que intenso. Las corrientes de significado que surcan la obra de Boris Bisskin demarcan una serie de eventos existenciales y al mismo tiempo nos colocan en un espacio de encuentros estremecedores. Esta serie que, repito, se inició quizás más que como una cosa conceptual, se fue dando también otra vez como muy a través del material, muy de manera natural, justo por eso yo creo, porque abarca espacios de pintura, espacios de lugares, espacios de imágenes, de personajes. que no tiene nada que ver entre sí más que a través de ti. Te vuelves como un vínculo de todas estas imágenes. En fin, esta gama de información que te bombardea y te satura y te apabulla y tienes que darle una cabida en una cabeza, la tuya, integrarlo de alguna manera, como tus ladrillos, y darle aire a ese muro de ladrillo. Balance, conflicto, síntesis, son palabras del vocabulario de Boris Biskin, en el que también cabe la práctica de eso que Neruda llamó la poesía impura, por su fuerte carga de vida. Yo creo que es lo básico del collage, tomar cosas de mundos extraños y hacerlas convivir. Buscar ese punto de balance en que esta locura de imágenes se vuelva una cordura y un balance que te deje caminar. La vida en las grandes urbes puede ser entendida y vista como un inmenso colaje. reunión de materiales, pero también de ideas, de espacios y de tiempos distintos, en la necesidad de una convivencia, si no armoniosa, si al menos funcionan. Roberto Trombol es un artista nacido y radicado en la Ciudad de México, que toma del entorno urbano todos los elementos que su arte necesita para devolverlos a la comunidad metamorfoseado por obra de su visión. Me gustan las construcciones, me gustan las obras negras, el trabajo de albanilería, eso me gusta mucho. Me encanta la geometría, la geometría de una manera también burda, pero me encanta todavía usar la regla y el compás y la entilla, Recurrir a todo lo que me ayude a dibujar sin necesariamente pensar. En la obra de Roberto Turnbull hay una constante transposición de los valores artísticos, de sus materias y procesos. Por esta razón resulta muy difícil detenerse en la contemplación de sus medios a pesar de su realidad y su crudeza. Sus tensiones se tornan subyacentes y desde una aparente desnudez nos hablan entre líneas. Tengo muchas ideas y por eso necesito trabajarlas para que no me estorben. Normalmente ocupan espacio en la cabeza y estorban. Entonces por ese lado sí tengo prisa por solucionar, resolver y producir. aunque vuelvo atrás y destruyo y elimino mucho. Entonces esa es la manera en que se van descubrando las cosas. Hay que pensar para decidir, después hay que dejar que las cosas salgan y se relacionen un poco. También por eso el hecho de recurrir a cosas ya formadas de alguna manera, ya sea como desecho, ya sea como sobrantes, para ya no tomar tantas decisiones. Hacer una pintura como la hacían en el Renacimiento es tomar millones de decisiones. A mí me interesa tomar menos decisiones. La vocación constructiva que domina el trabajo de Turnbull pareciera capaz de integrar los elementos más disímbolos, madera y piedra, dibujo y objetos, disciplina e inspiración. La huella precisa del perfil urbano convive aquí con el gesto generoso del trazo suelto y espontáneo. Sí, creo en la inspiración, pero es una inspiración provocada, es una inspiración promovida, ¿no? Por trabajo, investigación, búsqueda, meditaciones, el azar. Y luego la inspiración a veces nada más da para un cuadro y se acabó. Entonces la inspiración se parece también a tantos otros elementos que participan en esto. Roberto Turnbull ha dicho que el uso de ciertos materiales o técnicas lo descarga del dibujo y le permite una aproximación distinta a esta tarea. Así el artista puede ejercer una mayor libertad con sus manos y compenetrarse con otros aspectos esenciales de su trabajo. Me gustan las maderas finas y los mármoles y todo esto. O sea, son desechos de alguna manera muy escogidos. Bueno, alguien decía que yo trabajo y proceso basura, ¿no es cierto? O en todo caso mi basura es muy selecta. Y a veces la traigo de muy, muy lejos. Todo para armar otra cosa. A veces el hecho nada más de traer una piedra de un lugar y un pedazo de madera de otro, y relacionarlos de alguna manera, tiene otra lectura completamente. El cultivo de una rica gama de quehaceres plásticos, permite que en la obra de Roberto Turnbull, se adelgacen las fronteras entre los distintos recursos, y que estos cobren en su proximidad, una sintaxis vigorosa que responde a la mirada inquisitiva de un artista profundamente involucrado con el mundo que lo rodea. La fotografía ha sido un recurso muy importante. Por un lado es como fuente de inspiración y de documentación, y por otro lado también satisface como cierta necesidad figurativa. Yo no quiero tener conflicto con actuación y figuración. me importa que todo funcione finalmente, más allá de que haya figura o que sea abstracción, o que incluso no me gusta pensar en mis cuadros ni como abstractos ni como figurativos. Las referencias para mí prefiero no mencionarlas porque entonces es como canalizarlo por ahí necesariamente cuando puede tener muchísimas lecturas y eso es también lo que me interesa. El trabajo de Mario Palacios, más allá del juego de palabras, es un encuentro, una lucha, un baile entre la plástica y el plástico. Una práctica visual que no desdeña el aprovechamiento de los materiales más burdos de origen industrial, lo mismo que la utilización de los más delicados soportes. Estos collages son encuentros, son concilios, son diálogos. Aquí lo que me gusta es ver de dos realidades distintas, un papel muy ligero, un papel muy transparente, combinado con estos elementos plásticos, plásticos, polietilenos, polipropilenos, hacen un juego, yo lo siento muy cercano a mi vida, a mi realidad. Para Mario Palacios, la investigación de las propiedades físicas y formales de la materia es un acto que, aunado a sus intuiciones estéticas, le brinda las condiciones adecuadas para desarrollar esas metáforas que sustentan su particular lirismo abstracto. Esta serie de colar surge estando en el taller de Jan Hendrick y ya me ofreció unos papeles para que jugara con ellos, unos papeles orientales. Y tomé unos lápices que tenía y empecé a dibujar sobre ellos y empecé a doblarlos. Al doblar el papel y meterlo en la capacidad de absorbencia de este papel, y que eso me daba muchas posibilidades de hacer dobleces distintas. Y esto junto con estas telas de plástico que son mallas, realmente son filtros. Yo siento que de esa manera estas telas conviven muy bien con el dibujo. porque no lo bloquean, le permiten seguir con sus características propias, pero con una pequeña intervención de sus hijos. El largo cuestionamiento que Palacios ha hecho de sus medios, así como de los soportes que utiliza, transformándolos muchas veces en la obra misma, Tiene que ver con el impulso de generar una serie de planos cuya vocación destaca el carácter espiritual de su trabajo. Este elemento vertical para mí es un símbolo de una presencia y la relaciono directamente con la presencia humana. Es una manera de reducir de una manera muy esencial lo que yo experimento en mi vida. Esta figura está, en todos estos casos, rodeada, acompañada, dialogando, con diferentes tipos de elementos. Elementos que yo, de una manera general, les llamo paisajes. Mario Palacios ha sido siempre un apasionado del dibujo. Sin embargo, las propias condiciones de su obra lo han llevado a una práctica poco convencional del mismo. Como escribió Willy Cauts acerca de su trabajo, más que ser un gesto sobre una superficie, el dibujo se constituye aquí a partir de la luz que penetra y se muestra en el material. Se trata, pues, de una práctica que devela otras realidades. otros mundos ese otro mundo yo lo siento dentro de este no es otro mundo ajeno no es un mundo separado lo tenemos a la mano pero es una diferencia entre el mundo en el cual no sabemos desenvolver el mundo de la personalidad y el otro es el mundo que yo siento que es el mundo de la conciencia, de la presencia, del ser testigo de todo este pasado de viviendo. Más allá de sus elaborados procedimientos, de sus cuidadosas combinaciones y minucias, la obra de Palacios, lejos de aspirar al ideal barroco de una aventura estética y limitada, Pareciera más bien asentarse en la posibilidad del acto sintético, donde la obra se brinda reconciliada y entera. Hay un principio de economía, hay un principio de economía que lo siento muy relacionado con la economía. Yo lo siento más bien como un principio de orden, el que también entre menos elementos logren un resultado. Me parece eso algo que checa, aunque al momento de realizarlo y verlo, siento que ahí es necesario detenerme. No estoy buscando más que encontrar un punto de coincidencia con lo que estoy haciendo y una parte de mí que lo censa, que lo siente y dice aquí está. e vamos nos preocupar.