TRANSCRIPCION

El arte, a diferencia de la ciencia y la tecnología, no sigue una línea de desarrollo que nos permita convencernos de un supuesto progreso. Un cuadro de Picasso no supera ni anula los visontes pintados en Altamira hace miles de años. Una gran tela de Kiefer no deja de lado ni desveña una pequeña tela de Vermil. Es a esta continuidad en la práctica de la pintura a lo que llamamos tradición. Cuatro pintores mexicanos contemporáneos, Oscar Gutmann, Roberto Rébora, Roberto Parodi y Carlos Pellicer, dan fe con su trabajo de esta tradición, la tradición de la pintura. En sus célebres diarios, Paul Klee afirma que para el pintor de nuestro tiempo, más importante aún que el tema, es ya su caja de colores. El pintor Carlos Pellicer, autor por cierto de un bello libro para mí, mostitulado justamente Julieta y su caja de colores, nos ofrece en su obra una concienzuda reflexión sobre la naturaleza de los colores. desde sus aspectos estrictamente materiales, hasta las múltiples resonancias anímicas, visuales, poéticas y musicales. El Padre se empieza a gestar, se empieza a preparar desde que empiezo a hacer mis colores, desde que corto la madera donde voy a pintar. Todo eso es importante, no por estar siempre encima de la tela con los colores. se va a pintar más. Las cosas tienen que madurar y llevar su paso. Así he trabajado hace muchos años. Desde mi primer maestro me enseñó a trabajar y a preocuparme por los materiales usados. Bueno, así lo hago y lo disfruto. Para Carlos Pellicer López hay una estrecha relación entre las propias intuiciones artísticas y los materiales que las hacen visibles, entre la mirada interior y la tradición de la pintura. En ese sentido, tengo mucha influencia en la pintura que aprendí a ver en los museos. Hace poquito que vi el desencadamiento de la cruz que está en el trago de Van der Weyden. Cuando uno ve el estado de conservación de esas obras, que es extraordinario, y dices, caramba, eso también es parte de la poesía, o por lo menos es parte de la poesía que a mí me interesa. Su primer maestro, Alfonso Ayala, le enseñó la técnica de la encaustica. Sin embargo, y esto es prueba de su paciencia, no fue sino hasta 1985 que por una necesidad expresiva se convirtió en la técnica que ha dominado su trabajo. Se trata, pues, de un pintor riguroso y atento que ha sabido procurarse en el momento más adecuado la libertad que brinda el dominio de los medios. hay que estar despiertos despiertos porque en cualquier momento en cualquier pincelada se abren mil caminos y hay uno que es el bueno ¿cómo saber verdad? pues este mi tío dice en un poema una cosa muy bonita las palabras con ritmo camino del poema Y eso es lo que uno quiere sentir en el cuadro cuando está pintando, encontrarse con las pinceladas con ritmo que te van marcando por dónde tienes que seguir. Hay en el trabajo de Carlos Pellicero un compromiso expreso con la tradición pictórica mexicana. En sus paisajes, propuestos como un diálogo entre la figuración y lo abstracto, Se ven las lecciones del Dr. Atle y esa noble aspiración de José María Velasco por comprender a fondo la naturaleza y los efectos de la luz. Su paleta explosiva guarda remembranzas de Tamayo y sus meditaciones sobre el color y la composición nos pueden remitir a Gunther Gerson. Cuando terminé mis estudios en la Escuela de Artes Plásticas en San Carlos, yo tuve la oportunidad de irme fuera de México a seguir estudiando. Y una de las razones por las que no lo hice es porque estaba yo seguro y convencido que aprender a pintar siguiendo los caminos que estaban trazados aquí en México era por lo menos tan importante, si no mejor, que seguir los caminos que se trazaban en Francia, en Estados Unidos, en Inglaterra. Sus cuadros, por efecto de su ritmo, por sus afortunados acordes cromáticos y hasta su sentido del humor, son una constante evocación de la música a la que el propio artista considera como la más elevada de las artes. Si yo tuviera suerte, me encantaría que mis cuadros reflejaran la música, pero yo pinto. Pero sí, a veces me gustaría que ciertas armonías cromáticas y ciertas composiciones en mis cuadros tuvieran un eco, y esa tiene que ser la palabra, tuvieran un eco de las sonoridades que manejan los músicos. Ojalá que uno también pudiera manejar las escalas cromáticas de igual manera. Pero está por ver, sí. un cuadro decía el pintor Nabi Maurice Denise no es más que una superficie cubierta con pigmentos formas y colores sobre una base bidimensional Oscar Gutmann a la vez que comparte esta visión respalda con su trabajo la idea que otro pintor el catalán Antoni Tapies tiene de lo que es un cuadro un objeto de poder una trampa para el ojo diseñada para captar la atención y producir en un primer momento un impacto emocional. Y con un poco de suerte, a la larga, una experiencia espiritual. La materia, el color, son cosas que entran antes de la razón, del razonamiento de una obra. Entonces sucede lo mismo con una poesía. tú lees un poema y el primer impacto es el impacto emocional. Yo cuando vi los primeros grandes tapies matéricos, sentí que me recorría como una electricidad, no fue una impresión de decir yo estoy observando el cuadro, sino el cuadro me sobrepasó a mí. Una sensación similar a un enamoramiento, por decirte. Es algo que te sobrepasa, ¿no? Entonces, igual con tamaño, o sea, los primeros tamaños que vi me entraron directo así como en plexo, ¿no? Porque sentí que era una pintura que entraba antes que otra cosa de manera emocional. Para mí el arte es una cuestión de profundidad. en la cual tienes una primera lectura, puedes tener otra, puede haber formas abiertas que te propongan un día una cosa, otro día otro como espectador, aunque no sea la cosa fija, la cosa definida. Los desplazamientos que nos plantea el trabajo de Oscar Gutmann parecieran situarse más allá de sus gestos y señales materiales. Su cercanía con la literatura, en particular con las letras inglesas a las que dedicó un largo periodo de su formación, ha dejado huellas palpables en muchos de sus cuadros y en su obra gráfica. El intercambio entre lo puramente pictórico y las connotaciones narrativas, simbólicas o poéticas de la imagen, se convierte aquí en una verdadera búsqueda que discute con la tradición. Al mismo tiempo, revela por su vocación estética sus necesidades expresivas más personales. Bueno, ¿qué hacen mis manos cuando yo no pienso hacer símbolos? Debo tratar de leerlos. Estudio mucho los orígenes de los idiomas, de los ideogramas, pero que era un índice de inicio, de agérito, de inicio a llumbres, en el sentido de que eran los símbolos, los sueños. Esta preocupación por ahondar en las relaciones desemboca en un mundo pictórico que sin escatimar la vitalidad del caos, sin prescindir de las fuerzas soterradas, confía en la unidad del sentimiento y en el poder espiritual del símbolo que se presenta de manera espontánea o intuitiva. Yo quería saber de dónde venía mi alter ego, de dónde venía mi herencia espiritual, ¿no? Entonces entré en situaciones rituales, entré a estudiar, por ejemplo, a fondo la cábala y a practicarla, de tal forma de que entre más bien en contacto con fenómenos naturales, con el tiempo, con el espacio. La obra de Oscar Gutmann es un esfuerzo de composición donde los ideales clásicos conviven con los frutos de la imaginación y la experiencia de un hombre de nuestro tiempo. La realidad bidimensional de la pintura y la conciencia que el artista tiene de ella, le permiten establecer un juego donde la objetividad de los planos contrasta con la ficción del volumen y donde la percepción se pone a prueba ante la posibilidad de una nueva visión. Para mí el juego ha sido siempre dar el cuadro abierto en el cual puede haber elementos planos y elementos de profundidad. Elementos en los cuales uno tiene la claridad de conciencia de hacerlos y el accidente controlado o descontrolado a veces. Para mí siempre ha sido la aventura. O sea, yo difícilmente parto de un cuadro que sé cómo va a acabar porque me aburriría. Hay gente, he visto artistas que tienen su boceto y a partir del boceto ya trabajan en el cuadro. Para mí el cuadro tiene que ser una aventura y es la aventura del día. Y lo que menos me gustaría es pensar que ese cuadro va a acabar como yo lo premedité. Puede acabar totalmente en el revés. con un amor a toda prueba por la pintura que se refleja en un profundo conocimiento de su tradición desde los asombrosos retratos romanos de Fayum pintados hace dos mil años hasta las telas de Francis Bacon o las más recientes de Lucian Freud. El trabajo de Roberto Rébora se distingue por un uso personalísimo del color, un enorme respeto por sus materiales y una decidida vocación humanista. Yo creo que hay un creciente número de pintores que se interesan por la pintura porque es una necesidad, porque es inobjetable. Yo creo que si ahorita el mercado no se interesa por esta pintura porque esta pintura tiene una carga humanista muy evidente. Yo así lo veo. Y naturalmente cuestiona, es crítica. No se hace bolas con problemas de vanguardia y estos asuntos retóricos y que reducen los alcances que puede tener la pintura. La pintura es la gran señora de las artes. La pintura siempre tiene una proposición extrema de la visión de su tiempo. Quien la quiera ver, que se asome. La obra de Roberto Rébora ha sabido plasmar la pasión por el oficio y el conocimiento de la tradición pictórica de Occidente. En su trabajo se destaca una visión de notable carga social y psicológica, cuyos orígenes se remontan, en una línea muy definida, a grandes artistas modernos, como Domier, Toulouse-Lautrec y, en México, por supuesto, José Clemente Orozco. Yo era Orozco, lo descubrí muy joven, por ahí de los 6 años, porque hicimos un viaje de la American School donde yo estudié, en la primaria. Fuimos al oficio Cabañas, entramos a un sitio que me pareció una iglesia y cuando se oyó la campana para que salieran a recreo los niños y volteé hacia arriba y vi el nombre de Fuebla. Y me quedé triste. Es una impresión que tengo grabada. Seis años quizá yo. El humanismo reiterado por Rébora se basa en el reconocimiento de la figura humana como como un eje para la organización del espacio, pero también como el fundamento desde el que se establece un ponderado espíritu crítico, una perspectiva del hombre y su lugar en el mundo. Lo mío es la representación de la figura y el problema es relacionarlo con su espacio, es decir, que la figura sea espacio, que el espacio esté perfectamente comodando y abrazando. Yo he buscado madurar la piel de la pintura desde hace muchos años. Quizá en los últimos años he podido centrar un procedimiento que descubrí en la práctica por el accidente, por necesidad. Considero que estoy en grado de hacer con mayor madurez una relación entre la figura y el espacio. Pero con el espacio construido y la figura construida. El incansable estudio de los maestros renacentistas y barrocos le ha dado las bases para comprometerse con los problemas conceptuales y técnicos de nuestro tiempo. Frente al enigma del volumen y el espacio, Roberto Rébora ha buscado soluciones personales que tienen mucho que ver con la densidad y la transparencia de los planos. A mí me interesa mucho la pintura lo más líquida y transparente. Por eso su relación, pues es la relación que yo encuentro entre la pintura al fresco y la pintura que pretendo hacer. Yo quisiera llevar cierta ligereza del fresco a la tela o a la madera, yo creo que es posible. A mí me gusta la pintura al fresco porque parece eso, acuarela. Busco un poco cierta reproducción de esa agua que da contento, que quita la tela. La vocación humanista que hay en la obra de Rébora también se expresa en las relaciones que el pintor ha sabido establecer con otras artes y formas de pensamiento. Una relación muy activa si pensamos, por ejemplo, en el proyecto de su editorial Vitoria, cuyas espléndidas publicaciones han abierto un espacio singular para la difusión y el encuentro con la poesía. Son mundos que se casan, a mí me gusta la lectura en voz alta, porque aquí en este cuarto continuamente se ven poemas extensos en voz alta, sonoramente. Es algo que le gustaría no solo al pintor, sino a cualquier individuo y es una experiencia visionaria leerlo. La pintura de Roberto Rébora se encuentra regida por la mano de un dibujante extraordinariamente dotado. Esta capacidad le ofrece la posibilidad de plantear su obra en términos narrativos y muchas veces dramáticos o líricos. Soy un pintor narrativo y lo que yo quiero es pintar los sueños, es lo que yo desearía. Es decir, llegar a poder la realidad en la que me desenvuelvo y pinto o imagino, poderla pintar desde la realidad, casi la manera de los sueños, por decirlo así. Yo quiero ser un pintor narrativo, eso es una aspiración. El trabajo de Roberto Parodi ha recorrido un largo viaje de múltiples y con frecuencia sorprendentes transformaciones, a través del conocimiento de la tradición de la pintura y el estudio de los medios, hasta llegar a un dominio de la técnica que le permite hacer suya aquella frase de George Braque, la técnica corrige la emoción. Yo soy pintor y me he conservado en la pintura y considero que la pintura tiene mucho que vecino. Creo que también, por otro lado, cuando se habla de que la pintura es limitada, incluso han dicho de que la pintura tiene el límite del cuadro de caballete y que entonces no va a salir de ahí, de ese cuadro de caballete, por eso hay una serie de cosas acerca de eso, me parece que es un equívoco. Hay un mundo interior dentro del cuadro y estoy muy de acuerdo con Manuel Felguérez cuando dice que la pintura tiene un universo que es pequeño comparado al cosmos, al universo, pero que es completo y eso me basta. Algo que yo aprecio en la pintura y que puedo ver a diferencia del arte conceptual, por ejemplo, o de las nuevas manifestaciones, es que la pintura ha tenido el valor y la madurez de cuestionarse a sí mismo, ha tenido el valor de criticarse a sí mismo. Roberto Parodi es un artista con una idea muy clara de lo que significa la imagen pictórica, es decir aquella que sólo puede concebirse y existir en la realidad singular de la pintura y en su larga y compleja tradición. Claro, he utilizado la computadora pero sí porque tenía grandes curiosidades de ver sobre todo la facilidad que existe en la computación para la composición. Realicé una exposición en París basada precisamente en este juego con la computación, pero Pero llegó el momento en que considero que se desvía un poco la parte pictórica. Empieza uno a ver el mundo de imágenes más fotográficas que pictóricas. Es una lucha entre una cosa y la otra. Para mí la fotografía es la fracción de segundo. La pintura no puede ser una fracción de segundo. La pintura tiene otro movimiento interior, tiene otra lectura. pero más que nada es una presencia, presencia matérica, presencia de espacios, presencia de espacios y presencia interior del pintor. En la obra de Roberto Parodi hay una constante reflexión sobre los medios que la hacen posible. En ella se revela un serio planteamiento de las dificultades del oficio y hasta qué punto la necesidad de enfrentarlas y resolverlas contribuye a la sabia depuración de los recursos técnicos y al cultivo de una inteligencia visual propia. Degas tiene una frase sensacional que dice que pintar es muy fácil cuando no se sabe, pero cuando se sabe es muy difícil. Pero esta dificultad del pintar es un poco lo que he ido viendo a lo largo de mi vida. Me he hecho preguntas técnicas muy difíciles de resolver que me han metido en laberintos, de los cuales no me arrepiento de haber metido porque he podido salir con una experiencia que quiero ahora retomar para poder realizar un nuevo trabajo. Si vemos, por ejemplo, a Van Eyck, vemos que Van Eyck realizó un gran acontecimiento desde el punto de vista tecnológico, técnico, que es la invención del óleo. Pero más que del óleo, porque ya existía, es cómo adecuarlo con la técnica mixta. se requiere una gran reflexión muchas veces se confunde este otro límite entre el desarrollo tecnológico y el desarrollo interior, espiritual artístico, toda esta generación cult precisamente está manejando esta parte de la inteligencia y de la razón y diseñan un poco la otra forma de ver el mundo a través de más humana más emotiva Para Roberto Parodi, la pintura llega más allá de los temas y sus motivaciones Aunque su trabajo nos propone un amplio tratamiento de la figura De la representación y los problemas que implica También nos revela, porque eso es la pintura Una pasión interna que habita y hace habitables estos mundos Así se trate de la aparente familiaridad de un bodegón de los paisajes y objetos devastados de la civilización occidental, del rostro y el cuerpo humano. La emoción es algo que está ahí y que tiene que ver con un a priori y un posteriori. Es decir, puedes generar una emoción a través de un tema, puedes generar una emoción imaginándote el cuadro que entre con ellos decía Picasso, no es el que vale porque no existe. Y puedes generar una emoción real sorpresiva cuando el cuadro te emociona, no tú al cuadro, el cuadro a ti. Y ese es el valor de la obra. No es el tema, sino es cómo el cuadro te va a dar a ti algo. Tú lo puedes ver. Субтитры создавал DimaTorzok