TRANSCRIPCION

Hoy en Visión Creadora conoceremos la propuesta del taller Danza Terapia con Enfoque Gestalt, a cargo de la licenciada Patricia Camacho, investigadora del CENIDI Danza. Además, conoceremos las reflexiones de la artista visual Lorena Wolfe sobre el performance. Bienvenidos a Visión Creadora, espacio dedicado al arte, la investigación y la creación. En esta ocasión vamos a ver dos entrevistas muy interesantes a la investigadora Patricia Camacho del Centro Nacional de la Danza, CENID y Danza, que ha organizado el taller de danza terapia con enfoque gestal y a la performancera mexicana Lorena Wolfer. Estas dos entrevistas nos van a revelar mucho de la situación de las artes en su momento actual. ¿Por qué quiero decir esto? Porque desde principios del siglo pasado, los movimientos artísticos han estado buscando romper las fronteras que los limitan y los ahogan a un solo espacio. Son movimientos que han estado buscando la interdisciplina. Desde ahí que salen algunos grupos como los futuristas, los dadaístas, los socialistas a principios de siglo y que este movimiento continuará después de la Segunda Guerra Mundial en los movimientos de los 50. Los 50 será el arranque de una serie de movilizaciones artísticas que buscarán romper con estos enfoques que están limitándolos. y entonces buscaran una orientación interdisciplinaria. De ahí surgen movimientos como los Happening, en donde se reúnen poetas, bailarines, teatreros, músicos, para realizar actividades artísticas vistas desde múltiples ángulos. Después de esos movimientos, no se quedó la reunión en una interdisciplina de las artes, sino que buscaron más allá, buscaron en movimientos un contacto con disciplinas extraartísticas como la psicología, la sociología, el periodismo, la lingüística y de esta búsqueda nacen expresiones artísticas como la danza terapia, que hoy nos hablará de ella Patricia Camacho, y como el performance del que nos hablará Lorena Wolfer. Tanto el performance como la danza terapia tienen una visión integradora de las diferentes disciplinas. La danza terapia conjuga tanto la danza como la psicología, en este caso una orientación gestal. Tiene sus raíces desde el psicodrama, la psicodanza, la danza teatro. Y aquí nosotros vemos un enfoque en el cual se está buscando analizar el cuerpo. El cuerpo que muchas veces expresa, pero muchas otras veces calla, reprime. Y es ahí donde la psicodanza trata de buscar en ese cuerpo toda una experiencia vivida. El performance, por su lado, es una disciplina que se nutre tanto de disciplinas tradicionales, como el teatro, las artes plásticas, la pintura, la arquitectura, la música, pero también busca en disciplinas extraartísticas como son la sociología, la lingüística, la psicología, el periodismo y en artes populares como la carpa, el circo, en fin, en una serie de artes que se conjuntan para expresar en el aquí y en el ahora Una búsqueda, una búsqueda en donde es el cuerpo el principal sustento de este arte. En el performance el artista es objeto y sujeto a la vez. Y es en ese aquí y en ese ahora en donde busca indagar tanto a sí mismo hacia adentro, cuáles son sus límites corporales, cuáles son sus limitaciones, pero también hacia afuera la percepción del público, cuáles son sus gustos, sus enojos, sus limitaciones. El performance es un movimiento que se ha consolidado ya, surgió en los 70, pero a raíz de los 90 se puede decir que ya es un movimiento estable, consolidado, incluso reconocido ya institucionalmente. Se llevan a cabo en diferentes lugares como el Exteresa, el Museo Universitario del Chopo, el Centro Nacional de las Artes. Es decir, esta es la búsqueda que hoy los artistas buscan una interdisciplina y una transdisciplina. Danzaterapia con enfoque gestal. Una propuesta de la licenciada Patricia Camacho. Thank you. La gestal es un enfoque humanista dentro de la psicoterapia que busca la integralidad del individuo. La gestal es muy generosa porque no ubica al terapeuta como alguien superior o con mayor conocimiento que el cliente o el paciente, no se llama paciente en gestal, se llama cliente o la persona que recibe el servicio, el usuario. Se ubican en una relación horizontal de persona a persona y hay una comunicación y una retroalimentación permanente entre el terapeuta y el usuario. La gestal se ubica en el momento presente de la persona, incluso su pasado está rebotado en su presente y eso permite dinámicas de cierre en cada sesión y no ir abriendo cada vez más y más la problemática, sino ir buscando cierres en cada sesión. La gestalt al buscar la integralidad busca la unidad entre emoción, pensamiento y corporalidad y ancla en el cuerpo las emociones, los recuerdos, las vivencias cognitivas y sensoriales y emotivas del sujeto. Por eso es importante vincular a la gestalt con la danza. La danza humanista, la danza que busca más que formas virtuosas, un viaje profundo en el interior del ser humano, tiene mucho que ver con el humanismo de la gestal. La danza a través de expresar con el cuerpo, con el movimiento, las emociones del bailarín, del sujeto, pues va cifrando en el mundo un código que aparentemente no es visible a primera vista. Entonces cuando se hace a través de la danza se vuelve revelador, se vuelve evidente. Por eso es importante vincular la gestal con la danza, porque recupera esa triada de pensamiento, emoción y cuerpo en una sola unidad que es el sujeto. Precisamente su nombre lo indica, es danzaterapia, Y bueno, los principios a los que yo evoco son, para empezar, bases de acondicionamiento físico. Es muy importante saber que cuando tú estás trabajando con el cuerpo, necesitas tener un calentamiento, necesitas tener cierta condición. Esos son requerimientos básicos en cualquier persona que trabaja con el cuerpo. Y si vamos a utilizar la danza como herramienta terapéutica, también tenemos que darle bases al individuo para poder hacerlo. Por ejemplo, nosotros platicamos mucho acerca de lo que es la higiene corporal. Yo a esto me refiero cuando empiezo a trabajar paso por paso, cómo no lastimarse. ejercicios de empezando por el piso hasta llegar al centro para no lastimarse los segmentos corporales. Es muy importante que tengamos en cuenta la higiene de columna, por ejemplo, el saber cómo sube y cómo baja, cómo inhalar para oxigenar el cuerpo y cómo exhalar todas las tensiones para poder liberar y por lo tanto ir al movimiento. La danza surge de una necesidad, de una necesidad expresiva. La terapia surge como necesidad del individuo cuando no se puede expresar de otra forma, entonces ya intervienen los doctores y toda esta cuestión. Pero es ambas cosas, porque aquí la danza es una herramienta para que el individuo pueda exteriorizar o externar su sentimiento, su manera de pensar o su forma de concebir al mundo. La danza te libera a nivel físico y por lo tanto a nivel espiritual y a nivel mental, porque es integral. Bueno, yo creo que los proyectos modernos de investigación tienen que ver mucho con la intervención comunitaria. El hecho de que desde mi papel como investigadora en el CENI y Danza haya yo concebido este proyecto de danza con enfoque gestal, tiene que ver con mi historia personal y con mi historia profesional. de haber recibido en mi persona los beneficios de la psicoterapia gestal durante casi 10 años y de haber reflexionado en torno al hecho dancístico durante casi ya 20 años. Yo encontré que había mucha afinidad entre una y otra vertiente y la gestal que tiene como principio el ubicar al individuo en el aquí y en el ahora y la danza que es el arte del presente que sucede en el momento en el que se realiza. Entonces fui tejiendo como el entramado para llegar al planteamiento de un taller y como yo no soy ni terapeuta gestal ni bailarina, invité a uno de los mejores gestaltistas que tenemos en México, que es el doctor Carlos Quirón, para que hiciera el abordaje psicoterapéutico y a la bailarina Lol Bernández, que es una persona sumamente sensible y comprometida con el proyecto. Entonces el hecho de que haya surgido desde el CENI de Danza es poder conjugar lo que es la reflexión y la teorización con un trabajo de intervención sobre la comunidad, sobre los sujetos, para beneficiar su calidad de vida. Es magnífico el abanico poblacional de los beneficiarios de este taller, llegan desde actores, bailarines, profesores y muchísimos, muchísimos psicólogos. También tenemos amas de casa, pacientes en proceso de rehabilitación psicoterapéutica, secretarias. El abanico en la gama es muy amplia y afortunadamente eso enriquece el trabajo, porque un trabajo terapéutico en grupo hace que la mirada se multiplique, que nos veamos a nosotros mismos como a través de un prisma y que nos veamos no como algo monolítico, sino como sujetos polivalentes con múltiples aristas. Lorena Wolfer y sus reflexiones sobre el performance. Seguramente todos los días nos vemos en el espejo Pero cuantas veces realmente nos observamos Pueden poner su atención en el reflejo Pueden buscar el color de sus ojos El color de su cabello La expresión en su rostro cómo se forma y cómo se deforma. La postura del cuerpo, cómo se forma, cómo se deforma. Y ahora busquemos estas características en el que está al lado, en el que está junto a nosotros, en el reflejo. Las características del color de los ojos, del cabello, la expresión en el rostro, cómo se forma, cómo se deforma la postura del cuerpo. Ahora vamos a mirar más allá de este reflejo. ¿De dónde venimos? ¿Cuáles son nuestros intereses? ¿Por qué estamos aquí? Yo creo que la deconstrucción de los códigos, de los símbolos cotidianos que conlleva hacer performance, te lleva a ver el mundo de otra forma y estar constantemente analizando lo que realmente significa todo lo que te rodea. Desde un espacio, conformación, hasta una persona, cualquier cosa. En ese sentido, el performance de alguna forma reta como nociones de la historia, digamos, en un sentido como tradicional, porque indaga más allá del inmediato, ¿no? Se pregunta incluso, bueno, de quién es la voz, desde qué perspectiva se está hablando, ¿no? Entonces ese análisis que conlleva el performance, finalmente lo que hace es obligarte un tanto a deconstruir todo el mundo que te rodea y en ese sentido es un método de aprendizaje. No, yo creo que el performance definitivamente tiene una tradición, el intento por estarlo definiendo constantemente como una especie de rollo alternativo ya no aplica en realidad con la producción actual. Digamos, obviamente el performance tiene una historia que empieza en los 70's, aunque hay teóricos que plantean que empieza desde mucho antes, desde los 20 y los 30's, con movimientos como el futurismo, el realismo, el titulonismo, etc. Entonces yo creo que el performance ya tiene una tradición, ya tiene una historia y habría que reconocerlo como tal, dejar de jugar a que es una forma nueva, que en realidad no lo es, y más bien asumirlo como un formato ya establecido, como una opción nueva. En México yo creo que hay una tremenda carencia en lo que se refiere a teorización y crítica de performance, no es el caso en el resto del mundo, en los últimos 5 o 10 años se han establecido innumerables departamentos de lo que se llaman en inglés performance studies, estudios de performance, que no nada más se dedicaba al performance, pero así como a nociones de performatividad. Y en México desgraciadamente hay muy poca crítica y muy poco análisis por parte de los otros performanceros y por parte de investigadores o académicos. Hay algunos personajes como Cristina Alcázar o Antonio Prieto, pero sí sigue siendo una enorme carencia. Aún a la fecha se habla de un performance. Nunca se habla de un buen performance o un mal performance, porque fue bueno, porque fue malo. Y eso es un poco el motivo detrás del taller que se está dando aquí en el Senar. Instigar a los alumnos a que no solo se especialicen en la creación, en la conceptualización de piezas, sino en la crítica y el análisis de las piezas que ellos están presentando y que sus compañeros están presentando. En México hay muy poca gente que escribe o que hace crítica de performance. Por ejemplo, una de las pocas personas que se ha mantenido una crítica que también es una de las generas de personas en México es Mónica Mayas. Pero otra vez, personas un tanto ajenas al performance, no hay demasiadas, hay algunos teóricos críticos del arte que me interesan por épocas, pero en realidad no hay, digamos, una labor constante de una u otra persona. Nunca me gustó jugar con muñecas. Siempre me enojalaban muñecas que se llamaban Yanet. Y mi mamá tuvo que hacer un viaje a Alemania. Y de ahí me traje esta muñeca. Yo le puse Yadim, como yo, porque no usa vestido rosa, usa pantalón tiene el cabello corto y negro como yo tampoco me gusta jugar mucho con los niños porque los niños suelen ser medio estios La verdad es que tuve un novio Se llamaba César Y mi mamá me decía Hazle caso, te conviene Es concertista Y está estudiando medicina La verdad es que este cuate me quería mucho y siempre me regalaba flores. Y cada que alguien me regala rosas, me acuerdo mucho de él. Finalmente le hice caso a una amiga que me dijo, es güero y seguramente lo tiene rosa. Los huevos para los niños suelen ser los más divertidos yo siempre quise un carrito de esos de carga, de palanca pero había carritos para barcos. Pero los juegos para los niños suelen ser muy divertidos. Y la verdad es que a mí les gustaba jugar a béisbol. Jugué en el equipo de la escuela, pero mis papás nunca me fueron a ver jugar porque si mi mamá se hubiera enterado, no me hubiera dejado, porque yo jugaba de gacha. Yo creo que una de las estrategias principales que yo propongo para entender el performance actualmente es precisamente reconocer que hay tendencias, olvidarse del término el performance como un planteamiento y otra vez, asumiendolo ya como un formato establecido, asumir también que hay diferentes tendencias de la misma forma que las hay en la danza, uno puede decir la danza en general, bueno, qué danza, la danza que se fuera, la danza moderna. En el performance hay como muchísimas tendencias, hay, digamos, la tendencia setentera, que tiene mucho que ver con el performance que se tiene en los ediciones en los 70, que plantea una acción en tiempos y en espacios reales, hay, digamos, otra tendencia que defiende la idea de representación y que postula que todo representación en el sentido de que somos una especie de representación consciente. En Estados Unidos, por ejemplo, mucha gente que viene de la literatura, hay muchos informateros que vienen de la literatura, utilizan mucho el spoken word o nociones del espectáculo, artistas como 1.8. Hay como muchísimas tendencias, creo que sería un poquito difícil delimitar todas, pero sí hay una gana bastante amplia, también o principalmente porque los nacedores de personas provienen de diferentes entornos. O sea, como dije antes, hay algunos que provienen de la literatura, en México principalmente provienen de las artes clásicas, pero hay, digamos, sociólogos, antropólogos y etc. 5 pesos. 1 peluche para jugar en la mamá, 150 pesos. 1 portasilla para pescar en el sur, 360 pesos. Vestido bonito, femenino y decente 570 metros. Yo creo que lo que sigue siendo como el poder fundamental del performance es la idea de traducir todas las ideas al cuerpo. Hay una inmediatez, digamos, a la hora de presentar una pieza frente a un público y al situarlo en tu cuerpo, que creo que ninguna otra arte se puede ofrecer, digamos, incluso la danza o el teatro, digamos, están como muy estructurados, depende mucho de una coreografía o de la personificación de un personaje particular. En el performance, la idea de traducir esas ideas al cuerpo y de presentar ese cuerpo produce una sensación en el público que creo que no es comparable con la de ninguna otra arte. Yo creo que la documentación del performance sigue siendo un enorme problema, sobre todo cuando se piensa o se quiere pensar que la documentación equivale a la acción. Precisamente la idea de presentarlo en vivo es una parte fundamental del performance. y yo creo que a la documentación se le tiene que entender como lo que es, ¿no? Simplemente un registro de un momento, muchas veces desafortunado porque es difícil digamos captar esos momentos precisamente por el grado de improvisación que puede haber en una pieza. Pero bueno, también hay esa, digamos, simbiosis un poco con otras simbiosas del arte contemporáneo que por supuesto mucho el arte contemporáneo es en sí una documentación de acciones solo que nadie utiliza la palabra performance. Eso sería como darle la vuelta desde otro lado y es una tremenda constante en el arte contemporáneo que estamos viendo hoy. Entonces, bueno, creo que existen las dos opciones. Una es utilizar la documentación como pieza final, en suyo caso hay la posibilidad de tener ediciones en un video, de alterar una fotografía, de recrear una cierta situación. O la documentación tal cual de un performance, pensando que el performance fue la obra principal y que lo que queda de registro es eso, simplemente un registro por más complicado que pueda ser. Yo creo que una de las grandes carencias en México, y hablo desde mi experiencia como directora de Expresa, como curadora de Expresa y de muchos eventos, fue que a principios y a mediados de los 90 nos abocamos únicamente como a la presentación del performance y creo que eso ha contribuido dramáticamente a la estigmatización que existe alrededor del medio, porque no nos preocupamos, en un momento no nos pareció importante, en ofrecer una especie de marco teórico que justificara, que ampliara lo que las obras en sí mismas estaban diciendo. Entonces, en años recientes han surgido una serie de talleres en partidos por artistas que yo creo que responden muchísimo a esta carencia de información. Hay muchísima gente que se llama a sí misma performancera y que no ha tenido, digamos, ni siquiera el interés de leer un libro de historia de performance. Y muchas de las cosas que hacen son ejercicios que se hicieron hace más de 80 años incluso. Entonces yo creo que para mí ha sido muy importante hacer talleres de performance en los cuales yo pueda transmitir la información a mis alumnos para que tengan un acercamiento informado y crítico al medio y que no nada más estén recreando cosas que ya se hicieron. Y yo creo que además ha funcionado porque muchos de las nuevas generaciones de performance vienen de estos talleres y de estos cursos. Y es algo que a mi generación no le tocó. A mi generación nos tocó aprender solos, ir a buscar libros solos, confrontarnos incluso con los performances sin las herramientas necesarias. Y lo que ofrece en los talleres es como la posibilidad de tener eso al mismo tiempo de estar generando performances. Yo creo que es muy valioso y a mí me encanta la relación que se da con los alumnos, porque es una especie de, otra vez, igual que el performance mismo, es como un diálogo constante que me nutre tanto a mí como a ellos. Nos esperamos en la próxima emisión de Visión Creadora. .